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La música tiene una capacidad única para borrar fronteras, y Bacilos volvió a demostrarlo en su esperado regreso a Madrid. La Riviera reunió a cientos de personas llegadas de distintos rincones del mundo con un único objetivo: volver a cantar esas canciones que llevan más de dos décadas acompañando historias de amor, despedidas, reencuentros y esperanza. Lo que se vivió anoche fue mucho más que un concierto; fue una celebración compartida entre una banda y un público que nunca ha dejado de caminar junto a ella. La formación liderada por Jorge Villamizar y André Lopes, nacida en Miami a finales de los noventa y convertida con los años en una de las grandes referencias del pop latino, volvió a reencontrarse con un público que nunca dejó de hacer suyas sus canciones. Más de dos décadas después de conquistar al mundo con himnos como Caraluna, Tabaco y Chanel o Mi Primer Millón, Bacilos continúa transmitiendo exactamente la misma verdad: la música es un lugar donde siempre merece la pena volver. Fotos: Stanza Musical - Carol Mejías Desde el instante en que Jorge Villamizar y André Lopes aparecieron sobre el escenario, La Riviera estalló en una ovación que ya anticipaba la noche que estaba por venir. No hubo tiempo para tomar asiento, ni siquiera para acomodarse. El público, completamente entregado desde la primera fila hasta el fondo de la sala, comenzó a cantar desde el primer acorde. El viaje arrancó con Crónica de una inmigración anunciada, una elección que resumía perfectamente el espíritu de la velada. Una canción que habla de quienes dejaron su hogar buscando un futuro mejor y que, precisamente por ello, encontró un significado especial entre un público donde se mezclaban acentos de medio mundo. Porque si algo llamó la atención fue la diversidad de los asistentes. Españoles compartiendo abrazos con colombianos, venezolanos, cubanos y muchos otros latinoamericanos que hicieron de La Riviera un pequeño rincón de América en pleno corazón de Madrid. Se respiraba nostalgia, orgullo, alegría y una enorme sensación de pertenencia. Todos cantaban las mismas letras como si formasen parte de una sola voz. Sin apenas dejar respirar al público, llegaron Dolores de cabeza y Pasos de gigante, manteniendo una energía creciente que terminó de explotar con Perderme Contigo. A esas alturas ya nadie permanecía quieto. La sala entera bailaba, sonreía y coreaba cada palabra a pleno pulmón. Fotos: Stanza Musical - Carol Mejías Y eso fue, precisamente, lo más bonito del concierto. Bacilos no actuó para su público; actuó con él. Jorge Villamizar conversó constantemente con los asistentes, agradeciendo el cariño recibido durante tantos años y haciendo sentir a cada persona parte del espectáculo. La cercanía fue absoluta. No existía la barrera habitual entre escenario y pista. Todo parecía una gran reunión de amigos unidos por las mismas canciones. Hubo también momentos especialmente emotivos cuando la banda dedicó unas palabras de cariño y solidaridad hacia los pueblos venezolano y cubano, despertando una de las mayores ovaciones de la noche. Muchos asistentes respondieron levantando sus banderas o simplemente con largos aplausos que demostraban que la música también sirve para tender puentes cuando las palabras no bastan. Fotos: Stanza Musical - Carol Mejías Facho volvió a poner a bailar a toda La Riviera antes de que llegara uno de los instantes más íntimos del concierto. Con Jorge Villamizar prácticamente solo sobre el escenario, guitarra en mano, interpretó Todo lo que quieres es bailar, creando un ambiente cercano, casi como si estuviera cantando en el salón de casa rodeado de amigos. Las sorpresas continuaron con dos versiones que fueron recibidas con enorme entusiasmo. Yo no sé mañana, del nicaragüense Luis Enrique, sonó con una sensibilidad extraordinaria, mientras que Limón y Sal, tema que Jorge Villamizar compuso junto a Julieta Venegas, convirtió la sala en un gigantesco coro donde españoles y latinoamericanos cantaron absolutamente cada palabra. Si algo terminó de engrandecer el concierto fue el extraordinario nivel de los músicos que acompañan actualmente a Bacilos. Mención especial merece el violinista Pedro Alfonso, cuyo sonido envolvente añadió una dimensión completamente nueva a muchas de las canciones. Cada intervención arrancaba aplausos espontáneos y dejaba claro que su violín ya forma parte esencial del sonido de la banda sobre el escenario. Fotos: Stanza Musical - Carol Mejías La recta final fue una sucesión de emociones difíciles de describir. 30 años en Miami, Guerra perdida y Viejo prepararon el terreno para lo que todos esperaban. Entonces llegaron los primeros acordes de Tabaco y Chanel, uno de los mayores clásicos del grupo, recientemente revisitado junto a Morat, demostrando que las grandes canciones nunca pierden vigencia. Pero si hubo dos momentos capaces de hacer vibrar literalmente las paredes de La Riviera fueron Mi Primer Millón y Caraluna. La intensidad con la que el público cantó ambos himnos convirtió la sala en un único coro. Era imposible distinguir la voz de Jorge entre miles de personas que conocían cada verso de memoria. Parecía el final perfecto. Sin embargo, nadie abandonó su sitio. Nadie quería que aquella noche terminara. La banda regresó al escenario para regalar dos canciones más como agradecimiento a un público que se negó a despedirse. Yo en el amor soy un idiota sonó a despedida triunfal, cargada de sonrisas y emoción, mientras que Bésela Ya terminó por poner el broche definitivo a una noche que dejó a todos marchándose con el corazón mucho más ligero de lo que había llegado. Porque eso es, precisamente, lo que consiguen los conciertos de Bacilos. Durante unas horas, las preocupaciones desaparecen, las fronteras dejan de existir y la música recuerda que todavía hay motivos para sonreír. Sus canciones siguen siendo refugio, celebración y esperanza. Y anoche, en Madrid, volvieron a demostrar que hay melodías que no envejecen porque llevan años formando parte de la vida de quienes las escuchan. La Riviera no solo acogió un concierto. Fue el escenario de un reencuentro entre viejos amigos, de miles de recuerdos compartidos y de una celebración de la música latina en su forma más sincera. Una de esas noches que terminan, pero permanecen mucho tiempo resonando en la memoria de quienes tuvieron la suerte de vivirlas.

Hay festivales que destacan por su cartel. Otros por su entorno. Y después está Músicos en la Naturaleza, uno de esos lugares donde la música deja de ser únicamente un espectáculo para convertirse en una experiencia que se vive con los cinco sentidos. La Sierra de Gredos volvió a demostrar que es uno de los escenarios más especiales de nuestro país para recibir a miles de amantes del rock en una nueva edición del festival. Un enclave privilegiado donde la naturaleza y la música conviven en perfecta armonía y donde, durante unas horas, el tiempo parece detenerse. Antes incluso de que sonara la primera guitarra, la organización ya dejaba clara su apuesta por un festival responsable con el entorno. A cada asistente se le entregó un kit ambiental compuesto por una bolsa de rafia reutilizable, un vaso reciclable, una bolsa para residuos y un cenicero portátil, una iniciativa destinada a reducir la generación de residuos y fomentar el reciclaje. Un pequeño gesto que demuestra que disfrutar de la música y cuidar de un espacio natural único pueden ir siempre de la mano. Mención especial merece la Fundación Patrimonio Natural de Castilla y León, impulsora de un festival que, edición tras edición, acerca a nuestra tierra algunas de las mayores leyendas de la música internacional. Gracias a su compromiso, miles de personas pueden disfrutar de un evento de primer nivel sin perder de vista el respeto por el incomparable entorno natural que lo acoge. A las siete y media de la tarde, con una puntualidad casi británica, The Alan Parsons Live Project fue el encargado de inaugurar la jornada. Bastaron los primeros compases para que el público comprendiera que no estaba ante un simple concierto, sino frente a una auténtica exhibición de elegancia musical. Respaldado por una banda de enorme calidad técnica, Alan Parsons ofreció un espectáculo impecablemente ejecutado, donde cada nota parecía ocupar exactamente el lugar que le correspondía. Su sonido cristalino envolvía la explanada mientras las montañas de Gredos servían de espectacular telón de fondo. Fotos: Stanza Musical - Chiva y Sierra El repertorio fue un recorrido por algunas de las composiciones más emblemáticas de su carrera. Clásicos como, "Standing on Higher Ground", "Time", "To One in Paradise" o las inolvidables "Sirius" y "Eye in the Sky" terminando con "Games People Play"despertaron la emoción de un público que respondió con una enorme ovación en cada uno de los grandes momentos de la actuación. Fue un concierto elegante, lleno de matices y de una precisión casi perfecta, donde el virtuosismo nunca eclipsó la emoción. Con el sol comenzando a esconderse tras las montañas, el ambiente cambiaba por completo. La calma daba paso a la electricidad. Era el turno de una de las bandas más influyentes de la historia del rock. Cuando Deep Purple apareció sobre el escenario, la explanada estalló. No hicieron falta presentaciones. Bastó el primer riff de "Highway Star" para que miles de gargantas comenzaran a cantar al unísono mientras el recinto se transformaba en una auténtica celebración del hard rock. La banda enlazó con "A Bit on the Side" y "Hard Lovin' Man", demostrando que las décadas no han conseguido restar ni un ápice de fuerza a una formación que continúa defendiendo sus canciones con una energía admirable. Fotos: Stanza Musical - Chiva y Sierra Cada tema fue recibido como un himno. Sonaron "Arrogant Boy", la inmensa "Lazy", la emotiva "When a Blind Man Cries" o "Rapture of the Deep", en una actuación donde el virtuosismo instrumental volvió a convertirse en una de las grandes señas de identidad de la banda. Las interminables improvisaciones de teclado y guitarra, los solos imposibles y una sección rítmica perfectamente sincronizada hicieron que cada canción creciera sobre el escenario hasta convertirse en una experiencia colectiva. Había momentos en los que bastaba con mirar alrededor para comprobar que nadie permanecía inmóvil. Miles de personas disfrutaban con una sonrisa dibujada en el rostro mientras las luces iluminaban la noche de Hoyos del Espino. Fotos: Stanza Musical - Chiva y Sierra El desenlace no podía haber sido más espectacular. "Hush" desató una de las mayores explosiones de entusiasmo de toda la jornada antes de que "Black Night" pusiera el broche de oro a una actuación que recordó por qué Deep Purple sigue ocupando un lugar privilegiado en la historia del rock mundial. Pero cuando muchos pensaban que la noche ya había alcanzado su punto más alto, todavía quedaba una última celebración. Con el recinto completamente entregado, Burning tomó el relevo para cerrar el festival. Y lo hizo de la mejor manera posible: convirtiendo el escenario en una enorme reunión entre viejos amigos. La legendaria banda madrileña volvió a demostrar por qué sigue siendo uno de los grandes referentes del rock español. Desde los primeros acordes quedó claro que aquello no iba a ser únicamente un concierto, sino una fiesta compartida entre varias generaciones. La conexión con el público fue inmediata. También ayudó el hecho de ser la única banda del cartel que interpretaba sus canciones en castellano. A esas horas de la noche, cuando la emoción ya había sustituido por completo al cansancio, cada palabra encontraba eco entre miles de personas que cantaban absolutamente todo. Fotos: Stanza Musical - Chiva y Sierra Canciones como "Esto es un atraco", "Mueve tus caderas", "No es extraño que tú estés loca por mí" o la inmortal "Qué hace una chica como tú en un sitio como este" transformaron el recinto en un gigantesco coro donde nadie quería dejar de cantar. Uno de los momentos más emocionantes llegó con "Una noche sin ti". La intensidad dio paso a la sensibilidad, creando uno de esos instantes que difícilmente se olvidan. Durante unos minutos desaparecieron los focos, las cámaras y el bullicio. Solo quedaron la música, las voces del público y esa sensación indescriptible de estar compartiendo algo irrepetible. Cuando las últimas notas se apagaron y las luces comenzaron a iluminar de nuevo el recinto, costaba abandonar aquel lugar. Porque festivales como este no terminan cuando baja el telón; continúan durante mucho tiempo en la memoria de quienes tuvieron la suerte de vivirlos. Desde Stanza Musical queremos expresar nuestro más sincero agradecimiento a toda la organización de Músicos en la Naturaleza por la cercanía, la profesionalidad y el cariño con el que fuimos recibidos desde nuestra llegada. Nos hicieron sentir como en casa, facilitaron en todo momento nuestro trabajo y nos permitieron disfrutar de cada concierto sin perder nunca de vista la pasión con la que desarrollamos esta profesión. Porque hay conciertos que se escuchan. Hay festivales que se disfrutan. Y después existen noches como esta, en las que el rock, la naturaleza y miles de personas laten al mismo compás. Esas son las que permanecen para siempre. Nos marchamos de Hoyos del Espino con la mochila llena de recuerdos, con cientos de fotografías que inmortalizan una jornada inolvidable y con la certeza de haber asistido a una nueva edición de uno de los festivales más especiales de nuestro país. Gracias a la organización de Músicos en la Naturaleza y a la Fundación Patrimonio Natural de Castilla y León por seguir demostrando que es posible reunir a algunas de las mayores leyendas de la música en un entorno único, cuidándolo y haciéndonos sentir como en casa desde el primer momento. Ahora solo queda empezar la cuenta atrás. Porque hay festivales a los que uno acude una vez y otros a los que siempre desea regresar. Músicos en la Naturaleza pertenece, sin duda, a este último grupo. Ojalá el próximo verano volvamos a encontrarnos bajo el cielo de Gredos para seguir escribiendo, juntos, una nueva página de esta historia.

Hay canciones que llegan en el momento perfecto. Esas que, desde la primera escucha, consiguen transportarte a un lugar concreto, despertar recuerdos o hacerte imaginar un verano que parece no tener fin. Esa es precisamente la esencia de "A la luz del día", el nuevo sencillo que une por primera vez los caminos de Ters y Ciao Marina, dos proyectos musicales que comparten una misma forma de entender el pop: cercano, luminoso y cargado de emoción. La colaboración surge de manera completamente natural, como si ambos universos musicales estuvieran destinados a encontrarse. El resultado es una canción fresca, elegante y envolvente que se convierte en una auténtica postal sonora del Mediterráneo, donde las melodías suaves, la producción cuidada y una letra llena de imágenes evocadoras consiguen transmitir esa sensación de felicidad sencilla que solo se experimenta durante los mejores días del verano. Inspirada en ese instante en el que todo parece perfecto y el tiempo deja de importar, "A la luz del día" habla de vivir el presente sin prisas, disfrutando de los pequeños momentos compartidos con las personas adecuadas. Calas escondidas, sábanas blancas movidas por la brisa, la piel con sal tras un baño en el mar o atardeceres que parecen eternos construyen el universo visual de una canción que invita a desconectar de la rutina y dejarse llevar. Musicalmente, el tema encuentra un equilibrio muy interesante entre el pop nacional contemporáneo y las influencias del pop latino melódico. Su sonido cálido y orgánico recuerda por momentos a esa atmósfera despreocupada y veraniega que ha popularizado el artista venezolano Danny Ocean, aunque manteniendo una personalidad propia gracias a la combinación de las identidades de ambos proyectos. En este encuentro, Ters vuelve a demostrar por qué se ha convertido en una de las voces emergentes más interesantes del panorama nacional. El artista madrileño ha construido una carrera caracterizada por la honestidad de sus letras y una propuesta sonora que se mueve con naturalidad entre el pop urbano, la electrónica más delicada y la indietrónica. Esa capacidad para transmitir emociones desde la sencillez vuelve a quedar patente en una interpretación íntima y cercana que conecta desde el primer verso. Frente a él, Ciao Marina aporta el carácter mediterráneo que define toda su trayectoria. La banda barcelonesa ha sabido hacerse un hueco dentro del pop independiente gracias a canciones luminosas, optimistas y de producción orgánica, donde las melodías cobran un protagonismo absoluto. Su sello inconfundible, basado en transmitir calma, buen rollo y cotidianidad, encaja a la perfección con la sensibilidad de Ters, dando lugar a una colaboración que parece fruto de muchos años de trabajo conjunto. Los propios artistas definen el espíritu del sencillo con una frase que resume perfectamente su intención: "A la luz del día es una invitación a cerrar los ojos, bailar al son de las olas y quedarse un rato más dentro de ese verano perfecto". Una declaración de intenciones que se refleja en cada detalle de la producción, concebida para envolver al oyente en una sensación de libertad, calma y optimismo. Más allá de ser una simple colaboración, "A la luz del día" demuestra cómo dos proyectos con personalidades diferentes pueden complementarse para crear algo nuevo sin perder su esencia. La química entre Ters y Ciao Marina se percibe tanto en la interpretación vocal como en la construcción de una canción que fluye con absoluta naturalidad y que aspira a convertirse en una de esas piezas imprescindibles de cualquier playlist estival. Con esta nueva unión, ambos artistas continúan ampliando su trayectoria y confirman que el pop hecho en España sigue encontrando nuevas formas de emocionar. "A la luz del día" no solo pone música al verano; invita a detener el reloj durante tres minutos y recordar que, a veces, los mejores momentos son precisamente aquellos que suceden bajo la luz del día.

Si hay un festival capaz de reunir en un mismo recinto algunas de las propuestas más interesantes del panorama internacional, ese es All Points East. Del 21 al 30 de agosto de 2026, el festival regresa al espectacular Victoria Park (Tower Hamlets, Londres, E9 7BT) con varios conciertos repartidos en diferentes jornadas, culminando el domingo 30 de agosto con una de las citas más esperadas del cartel: Twenty One Pilots como grandes protagonistas del último día del festival. Un cartel de auténtico lujo La edición de 2026 vuelve a demostrar por qué All Points East es uno de los festivales más prestigiosos del Reino Unido. Entre sus grandes cabezas de cartel destacan: Twenty One Pilots (30 de agosto) Tyler, The Creator Lorde Deftones Jorja Smith TEMS A ellos se suman artistas de enorme nivel como Turnstile, PinkPantheress, Zara Larsson, Daniel Caesar, Baby Keem, Djo, IDLES, Amyl and The Sniffers, Wunderhorse, bbno$, PVRIS, Nova Twins, Kid Kapichi, Rex Orange County, Vince Staples, JPEGMAFIA y muchos más, ofreciendo una programación que abarca desde el pop alternativo hasta el rock, el punk, el hip hop, el R&B y la electrónica. Algunos artistas que no puedes perderte Twenty One Pilots será el gran cierre del festival. El dúo estadounidense formado por Tyler Joseph y Josh Dun continúa demostrando por qué es una de las bandas más potentes del directo. Su espectacular puesta en escena, mezclando rock alternativo, pop, rap y electrónica, convierte cada concierto en una experiencia única. Lorde regresará a los escenarios británicos con uno de los conciertos más esperados del verano. La neozelandesa ha conquistado a varias generaciones gracias a su elegancia, sensibilidad y una colección de canciones convertidas ya en clásicos del pop contemporáneo. Tyler, The Creator volverá a demostrar por qué es uno de los artistas más creativos e influyentes del panorama actual, combinando rap, soul y una producción visual que convierte cada actuación en un auténtico espectáculo. Para los amantes del sonido más contundente, Deftones encabezará la jornada dedicada al festival Outbreak dentro de All Points East, acompañado por bandas como IDLES o Amyl and The Sniffers, garantizando una de las jornadas más intensas del verano. Un escenario privilegiado El festival se celebra en Victoria Park, uno de los parques más emblemáticos del este de Londres. Sus amplias zonas verdes permiten disfrutar de varios escenarios, una gran oferta gastronómica, zonas de descanso, experiencias interactivas y un ambiente inmejorable en pleno corazón de la capital británica. Además de los conciertos, All Points East organiza durante la semana actividades gratuitas para la comunidad bajo el programa "In The Neighbourhood", con cine al aire libre, deporte, gastronomía, actividades familiares y espectáculos. Cómo llegar Victoria Park está perfectamente comunicado mediante transporte público: Metro: Bethnal Green (Central Line) y Mile End (Central, District y Hammersmith & City). Overground: Cambridge Heath, London Fields y Hackney Wick. Numerosas líneas de autobús conectan el parque con cualquier punto de Londres. También es muy recomendable acceder caminando o en bicicleta gracias a los múltiples accesos al recinto. Entradas Las entradas pueden adquirirse directamente a través de la página oficial del festival, donde se ofrecen diferentes modalidades: Entrada General Early Entry VIP VIP Garden Plataformas accesibles y opciones de movilidad reducida También existen abonos para determinadas jornadas y entradas de fin de semana según la programación elegida. ¿Por qué no puedes perdértelo? Porque pocos festivales consiguen reunir un cartel tan variado y de tanta calidad en un entorno tan especial como Victoria Park. All Points East combina artistas de primer nivel mundial con nuevos talentos, una organización excelente, una amplia oferta gastronómica y un ambiente cosmopolita que convierte cada jornada en una experiencia diferente. Ya sea para disfrutar de la energía de Twenty One Pilots, emocionarte con Lorde, vibrar con Tyler, The Creator o dejarte sorprender por algunas de las bandas más prometedoras del momento, All Points East vuelve a demostrar que es mucho más que un festival: es una de las grandes celebraciones musicales del verano europeo y una parada obligatoria para cualquier amante de la música en directo.

Hay festivales que destacan por su cartel y otros por su ubicación. Santander Music 2026 tiene ambas cosas. Los próximos 31 de julio y 1 de agosto, la espectacular Península de La Magdalena, uno de los enclaves más bonitos de la costa cántabra y situado a escasos metros de la Playa de La Magdalena, volverá a convertirse en el escenario de uno de los festivales más especiales del verano español. Dos jornadas donde la música independiente, el pop, el rock y las nuevas tendencias se darán la mano en un entorno privilegiado junto al mar. Consolidado como una de las citas imprescindibles del circuito festivalero nacional, Santander Music apuesta una vez más por un cartel que reúne algunos de los nombres más destacados del panorama actual junto a artistas que están marcando el futuro de la música española. El resultado es una edición que promete emociones fuertes desde la primera hasta la última actuación. Un cartel repleto de talento Uno de los grandes protagonistas será Guitarricadelafuente, una de las voces más personales de la escena nacional. Su capacidad para fusionar la tradición con sonidos contemporáneos y unas letras cargadas de sensibilidad han convertido cada uno de sus conciertos en una experiencia íntima y emocionante. También llegará a Santander Rigoberta Bandini, uno de los fenómenos musicales de los últimos años. Con himnos como Ay Mamá, la artista catalana ha revolucionado el pop español gracias a un directo tan festivo como reivindicativo, donde la conexión con el público es absoluta. No podía faltar Siloé, grupo vallisoletano que continúa creciendo año tras año. Su combinación de pop, electrónica y folk, junto a canciones cargadas de emoción, los ha convertido en una de las formaciones más queridas por el público festivalero. El universo sonoro de Rusowsky también tendrá un lugar destacado. Considerado uno de los productores y artistas más innovadores de la nueva generación, mezcla pop, electrónica, R&B y sonidos urbanos con un estilo completamente reconocible que ha conquistado a miles de seguidores. La nostalgia también tendrá su espacio con Pignoise, cuyo regreso ha sido una de las noticias musicales más celebradas. Temas como Nada que perder o Te entiendo siguen formando parte de la banda sonora de toda una generación y prometen uno de los momentos más coreados del festival. Desde Extremadura aterrizarán Sanguijuelas del Guadiana, una de las bandas revelación del panorama independiente. Su mezcla de rock, folk y raíces tradicionales les ha permitido hacerse un hueco en los principales festivales del país gracias a un directo cercano y lleno de personalidad. El cartel lo completan artistas como Carlos Ares, una de las propuestas más elegantes e interesantes del pop alternativo español actual, y Xoel López, uno de los compositores más respetados de nuestro país, capaz de emocionar con un repertorio que combina la esencia de Deluxe con una brillante carrera en solitario. Junto a ellos actuarán muchos otros nombres que terminarán de completar un fin de semana repleto de buena música. Música con el mar como escenario Pocos festivales pueden presumir de un entorno como el de La Magdalena. Rodeado por el mar Cantábrico, con zonas verdes y unas vistas privilegiadas, el recinto ofrece una experiencia que va mucho más allá de los conciertos. Disfrutar de buena música al atardecer mientras la brisa marina acompaña cada actuación es uno de los grandes atractivos de un festival que ha sabido crear una personalidad propia. Además de su excelente ubicación, Santander Music destaca por su ambiente acogedor, un aforo cómodo que permite disfrutar de los conciertos sin aglomeraciones y una ciudad que invita a completar el fin de semana descubriendo su gastronomía, sus playas y algunos de los rincones más emblemáticos del norte de España. Entradas ya disponibles Las entradas de día y los abonos para Santander Music 2026 ya se encuentran a la venta a través de la página oficial del festival. Con un cartel de este nivel y una ubicación tan privilegiada, todo apunta a que volverá a reunir a miles de aficionados durante el último fin de semana de julio. Revive con nosotros la edición de 2025 Si quieres hacerte una idea de todo lo que se vive en Santander Music, puedes recordar nuestra cobertura de la edición de 2025. En Stanza Musical estuvimos presentes para contar de primera mano el ambiente, los mejores conciertos y todo lo que convirtió aquel fin de semana en una experiencia inolvidable. 👉 Crónica: Santander Music 2025 ¿Por qué no deberías perdértelo? Porque Santander Music no es solo un festival: es una escapada perfecta para disfrutar de la música junto al mar. La calidad de su cartel, el encanto de la Península de La Magdalena, el ambiente cercano y la posibilidad de combinar conciertos con playa, gastronomía y turismo convierten esta cita en una de las más especiales del verano. Si buscas despedir julio rodeado de buena música, en un entorno incomparable y con algunos de los artistas más destacados del panorama nacional, Santander Music 2026 tiene todos los ingredientes para convertirse en uno de los festivales que recordarás durante mucho tiempo.

El verano se despedirá por todo lo alto en Valladolid con una de las citas musicales más interesantes del calendario. Cosquín Rock Valladolid 2026 regresa con más fuerza que nunca y lo hace dando un importante paso adelante: por primera vez, el festival se celebrará durante tres jornadas, los días 28, 29 y 30 de agosto, convirtiendo el Pingüinos Arena en el epicentro del rock, el indie y la electrónica nacional e internacional. Además, la organización ya ha desvelado el esperado cartel por días, permitiendo a los asistentes planificar una experiencia que promete ser inolvidable. Nacido en Argentina hace más de dos décadas, Cosquín Rock se ha consolidado como uno de los festivales más prestigiosos de Latinoamérica, exportando su esencia a diferentes países sin perder la identidad que lo convirtió en un referente: una programación ecléctica donde conviven grandes leyendas, nuevas promesas y artistas internacionales capaces de atraer a públicos muy diversos. Su edición española continúa creciendo y este 2026 da el salto definitivo con un formato ampliado que promete convertirse en una cita imprescindible del final del verano. Un cartel para todos los gustos La tercera edición de Cosquín Rock España presenta una combinación de nombres históricos, bandas emergentes y referentes de la electrónica. Entre los grandes protagonistas destaca Kaiser Chiefs, una de las bandas más importantes del indie rock británico de las últimas décadas. Autores de himnos como Ruby, I Predict a Riot o Everyday I Love You Less and Less, los de Leeds prometen uno de los conciertos más multitudinarios del festival gracias a su energía y a un repertorio repleto de clásicos. También sobresale la presencia de Paul Kalkbrenner, auténtico icono de la electrónica europea. El artista alemán, conocido mundialmente por la inolvidable Sky and Sand, ofrecerá un espectáculo que combinará techno melódico, potencia visual y una producción de primer nivel. El apartado electrónico contará además con Claptone, el misterioso DJ de la máscara dorada que ha conquistado los principales festivales internacionales gracias a su elegante propuesta house y sus espectaculares actuaciones en directo. En representación del rock nacional estará M-Clan, una formación imprescindible del panorama español que continúa demostrando por qué canciones como Carolina, Llamando a la Tierra o Miedo siguen formando parte de la banda sonora de varias generaciones. El talento emergente también tendrá un papel protagonista con Ultraligera, una de las bandas con mayor proyección del nuevo rock alternativo español, capaces de combinar intensidad, emoción y un directo cada vez más consolidado. A ellos se unen nombres como Comandante Twin, habituales de los grandes festivales nacionales gracias a su sonido indie-rock cargado de estribillos contagiosos, además de otros artistas como Puño Dragón, Oslo Ovnies, Olugbenga (Metronomy DJ Set), Dmasso (Live), Ilan Amores o Whisky Caravan, configurando una programación muy variada donde cada jornada tendrá su propia personalidad. Pingüinos Arena volverá a ser el corazón del festival El recinto Pingüinos Arena, en Valladolid, volverá a acoger esta gran celebración musical durante los días 28, 29 y 30 de agosto, ofreciendo un espacio preparado para disfrutar de conciertos, gastronomía, zonas de descanso y una experiencia pensada para vivir la música desde la tarde hasta bien entrada la noche. Entradas ya disponibles Tras anunciar el cartel completo y la distribución por jornadas, el festival ha puesto a la venta tanto los abonos como las entradas de día, que pueden adquirirse a través de la página oficial del festival. Todo apunta a que algunas de las jornadas podrían agotar localidades, por lo que conviene no esperar demasiado para hacerse con ellas. Cosquín también llegará a Barcelona La expansión de Cosquín Rock en España continuará este mismo año con una edición de formato más reducido que aterrizará en Barcelona los 2 y 3 de septiembre, llevando el espíritu del histórico festival argentino también a la ciudad condal y consolidando así su apuesta por el público español. ¿Por qué no deberías perdértelo? Porque no es solo un festival de rock. Cosquín Rock España ha conseguido reunir en un mismo cartel guitarras, electrónica, indie, rock clásico y nuevas tendencias, ofreciendo una experiencia musical muy difícil de encontrar en otros eventos. La presencia de artistas internacionales de primer nivel junto a algunas de las mejores bandas nacionales convierte esta edición en una oportunidad perfecta para despedir el verano con tres días de música en directo, descubrimientos y grandes conciertos. Si buscas un festival diferente, con personalidad propia y el respaldo de una de las marcas musicales más importantes nacidas en Argentina, Cosquín Rock Valladolid 2026 tiene todos los ingredientes para convertirse en uno de los grandes acontecimientos musicales del final del verano. Revive con nosotros la edición de 2025 Si todavía tienes dudas sobre lo que se vive en Cosquín Rock España, te invitamos a recordar todo lo que nos dejó la edición de 2025. En Stanza Musical estuvimos allí para contar de primera mano el ambiente, los conciertos y todo lo que hizo especial aquel fin de semana. Puedes leer nuestra crónica completa aquí: 👉 Crónica: Cosquín Rock 2025, una edición que unió culturas, sabores y emociones. Porque no hay mejor manera de hacerse una idea de lo que espera este año que revivir la experiencia de una edición que ya demostró que Cosquín Rock ha llegado a España para quedarse.

La banda estadounidense ALEXSUCKS hará una única parada en España con su esperada gira europea para presentar su nuevo álbum Autopilot. La cita será el próximo 23 de septiembre en la Sala Villanos de Madrid, donde desplegarán un directo cargado de la energía, la intensidad y la actitud que los han convertido en una de las propuestas más prometedoras de la nueva escena rock de Los Ángeles. Con Autopilot, ALEXSUCKS consolida su arrolladora personalidad sonora. El álbum es una magistral mezcla de garage rock, dance-punk y oscuros elementos post-punk que recupera la estética y la actitud del revival del rock de principios de los 2000. El disco explora la sensación de pérdida y desconexión tras el final de una relación, reflexionando sobre el "piloto automático" que a menudo dirige los vínculos personales. El resultado es una obra de gran carga emocional impulsada por ritmos frenéticos y melodías contagiosas que se quedan grabadas a la primera escucha. Entre los temas destacados se encuentra el title track, que abre el disco con un afilado riff de guitarra que marca el tono del resto del álbum; "The Headache", un himno de rock alternativo marcado por hipnóticos silbidos; "Flowers & Dirt", un tributo al descubrimiento del amor junto a la artista indie-pop Lola Blue; y "Worm in the Sun", seleccionado para la banda sonora del icónico videojuego skate. ALEXSUCKS nació en Los Ángeles a partir de la amistad de cuatro músicos unidos por la cultura skater y una misma pasión por el rock de guitarras. El proyecto comenzó como la aventura en solitario de Alex Álvarez, quien, tras publicar de forma independiente canciones como "Talk To You", decidió convertir su propuesta personal en una banda junto al guitarrista John Luther, el bajista Garrett Orseno (DJ Topgun) y el baterista Jonny Ransom. Desde entonces, el grupo ha consolidado su identidad con lanzamientos como The Gutter (2023), el EP Warm Beers y su nuevo álbum Autopilot, que les han permitido ganar reconocimiento dentro de la nueva escena rock alternativa estadounidense. Tras consolidarse con su exitoso álbum debut The Gutter (2023) —cuyos temas "6 Pack and Cigarettes" y "Can We Forget" acumulan millones de reproducciones— y su aplaudido EP Warm Beers, la banda llega a Europa en su momento cumbre. Atrás dejan un rastro de carteles de "entradas agotadas" en salas de Estados Unidos y un paso triunfal por el festival Lollapalooza. Como señaló Zac Carper de la banda FIDLAR tras compartir gira con ellos: "Todo el mundo tiene que escuchar a esta banda". FECHAS ESPAÑA 23 de septiembre – Sala Villanos – Madrid ENTRADAS Preventas: SMusic: a partir del jueves 9 de julio de 2026 a las 10h Live Nation: a partir del jueves 9 de julio de 2026 a las 10h Entradas a la venta: a partir del viernes 10 de julio a las 10h en livenation.es y ticketmaster.es Precios: desde 28,50€

El próximo 16 de julio de 2026, Madrid vivirá una de las noches más esperadas del verano. Feid, uno de los artistas latinos más importantes del momento, llegará al Movistar Arena (Avenida de Felipe II, s/n) con su espectacular FALXXO Tour, un show que promete convertirse en una auténtica celebración de la música urbana. Las puertas abrirán a las 19:00 horas y el concierto comenzará a las 20:30 horas. Hablar de Feid es hablar de uno de los nombres que más ha revolucionado el panorama musical en los últimos años. El artista colombiano, cuyo nombre real es Salomón Villada Hoyos, ha conseguido conquistar al público internacional gracias a una combinación única de reguetón, sonidos urbanos, letras cercanas y una identidad visual que ya es inconfundible. Bajo el alter ego de Ferxxo, el cantante ha construido un universo propio que llena estadios y acumula miles de millones de reproducciones en plataformas digitales. El FALXXO Tour representa una nueva etapa en la carrera del colombiano. Más que un concierto convencional, el espectáculo plantea un "mano a mano" entre sus dos facetas artísticas: Feid y Ferxxo. Un recorrido por todos los grandes éxitos que han marcado su trayectoria, acompañado de una impresionante producción audiovisual, efectos especiales, iluminación de última generación y una puesta en escena diseñada para mantener la energía al máximo durante toda la noche. Los asistentes podrán disfrutar de himnos imprescindibles como LUNA, Normal, Classy 101, Chorrito Pa' Las Ánimas, Ferxxo 100, Hey Mor o Feliz Cumpleaños Ferxxo, entre muchos otros temas que han convertido a Feid en una referencia mundial del género urbano. Madrid, una de las cinco paradas españolas España será uno de los pocos países europeos que podrá disfrutar de esta gira, con únicamente cinco conciertos confirmados. El recorrido comenzará el 11 de julio en Santiago de Compostela, continuará el 16 de julio en Madrid, seguirá el 18 de julio en Barcelona, para viajar posteriormente a Alicante el 24 de julio y finalizar el 25 de julio en Murcia. Las fechas confirmadas son: 11 de julio – Cidade da Cultura (Santiago de Compostela) 16 de julio – Movistar Arena (Madrid) 18 de julio – Palau Sant Jordi (Barcelona) 24 de julio – El Muelle Live (Alicante) 25 de julio – Plaza de Toros (Murcia) ¿Dónde comprar las entradas? Las entradas oficiales para el concierto de Madrid pueden adquirirse a través de la página oficial del Movistar Arena y de los canales autorizados por la promotora del evento. Debido a la enorme demanda que está generando esta gira, es recomendable no esperar demasiado para hacerse con un asiento. ¿Por qué no puedes perderte este concierto? Porque Feid no solo ofrece canciones; crea una experiencia. Cada concierto se convierte en una auténtica fiesta colectiva donde miles de personas cantan cada tema de principio a fin, iluminan el recinto con el inconfundible color verde que identifica al artista y convierten el espectáculo en una celebración difícil de olvidar. Su conexión con el público, su carisma sobre el escenario y una producción cada vez más ambiciosa hacen que cada gira supere a la anterior. Si eres amante del reguetón, del sonido urbano o simplemente quieres vivir uno de los conciertos más multitudinarios del verano, la cita del 16 de julio en el Movistar Arena de Madrid es una oportunidad única para disfrutar de uno de los artistas más influyentes de la música latina actual. Todo apunta a que la capital volverá a teñirse de verde para recibir al Ferxxo. Y, si algo está claro, es que cuando Feid pisa un escenario, la fiesta está asegurada.

“Hay ciudades que siempre tienen algo de casa. Y hay noches que se convierten en recuerdo antes incluso de empezar. El próximo 26 de junio volveremos a encontrarnos para compartir canciones, historias y todo eso que solo ocurre cuando estamos juntos”. Y así fue. Hay artistas que llenan escenarios y hay artistas que llenan espacios mucho más difíciles de explicar. Rosana pertenece desde hace años a ese segundo grupo. El pasado viernes 26 de junio, dentro del ciclo de conciertos de La Carbonería del Galván, la artista canaria volvió a encontrarse con Madrid para demostrar que hay canciones que no entienden de tiempo y emociones que siguen intactas aunque hayan pasado treinta años. Porque tres décadas después del lanzamiento de Lunas Rotas, Rosana continúa teniendo esa capacidad de convertir cada concierto en una conversación colectiva, en una reunión entre viejos amigos donde las canciones no se escuchan: se viven. Fotos: Stanza Musical - Marta Pons Pero antes del esperado reencuentro con Rosana, fue el turno de Román Mosteiro, que abrió la noche con una actuación cercana y llena de sensibilidad. Acompañado únicamente por su guitarra, el artista gallego supo transformar la espera en parte del propio concierto, conectando con un público que comenzaba a llenar el espacio y dejando canciones que invitaron a escuchar con calma, a emocionarse y a entrar poco a poco en el ambiente íntimo que marcaría toda la velada. Con una energía desbordante y esa cercanía que siempre ha definido su manera de entender la música, apareció sobre el escenario para abrir la noche con Sin miedo. Y fue toda una declaración de intenciones. Desde el primer acorde quedó claro que aquello no iba a ser un simple recorrido por su repertorio; iba a ser un viaje por muchas vidas. Fotos: Stanza Musical - Marta Pons La noche avanzó entre canciones que fueron abrazando distintas emociones. Bebes de mí y La vida es bonita trajeron esa forma tan propia de Rosana de mirar el mundo desde la esperanza, mientras Puede ser y No olvidarme de olvidar conectaban con esa parte más íntima y reflexiva que siempre ha acompañado sus letras. Uno de los momentos más especiales llegó con Soñar es de valientes y Soñaré. Dos canciones que, más allá de sus melodías, parecían funcionar como una declaración abierta a seguir creyendo, seguir apostando y seguir avanzando incluso cuando el camino se complica. Porque si algo transmite Rosana sobre el escenario es precisamente eso: una confianza contagiosa en la vida. El concierto fue creciendo poco a poco, sin necesidad de artificios. Solo una artista, sus canciones y miles de historias personales encontrándose en un mismo lugar. Hoy y Llegaremos a tiempo fueron recibidas como auténticos himnos por un público que respondió durante toda la noche cantando palabra por palabra, convirtiendo cada estribillo en algo compartido. Hubo espacio también para la emoción más serena con El cielo que me das y para uno de esos temas que parecen detener el tiempo, Con una hora menos, interpretada con esa mezcla de delicadeza y verdad que hace que cada verso encuentre un lugar distinto en quien escucha. Fotos: Stanza Musical - Marta Pons Pero si hubo un instante que simbolizó todo el significado de esta gira fue cuando llegó el momento de celebrar y recordar que se estaban celebrando treinta años de Lunas Rotas. Treinta años de canciones acompañando despedidas, comienzos, viajes, amores, pérdidas y reencuentros. Y es que pocas artistas pueden decir que sus canciones forman parte de la banda sonora emocional de tantas personas durante tanto tiempo. La recta final de la noche fue una auténtica celebración compartida entre escenario y público. Rosana guardó para el desenlace algunas de esas canciones que forman parte de la memoria emocional de varias generaciones y convirtió el cierre del concierto en un viaje directo a los recuerdos. Fotos: Stanza Musical - Marta Pons Los primeros acordes de Si tú no estás desataron uno de los momentos más especiales de la noche, con un público entregado que hizo suya cada palabra. Después llegaron Contigo, El talismán y A fuego lento, encadenando himno tras himno en un tramo final donde ya no existían diferencias entre artista y asistentes: todos cantaban como quien vuelve a un lugar conocido después de mucho tiempo. Lejos de bajar la intensidad, Rosana siguió regalando emociones con Pa' ti no estoy y Con viento a favor, dos canciones que mantuvieron intacta esa sensación de celebración, libertad y conexión que había acompañado toda la noche. Y entonces llegó Mañana. Como quien no quiere despedirse del todo, Rosana puso el broche final con una canción que dejó en el ambiente esa sensación tan bonita que tienen algunos conciertos: la de querer quedarse un rato más. Porque cuando una noche está hecha de recuerdos, de canciones que llevan años acompañándote y de una artista que sigue subiéndose al escenario con la misma verdad de siempre, cuesta aceptar que el último acorde ya ha sonado. Más allá del repertorio, lo que ocurrió en La Carbonería del Galván fue algo difícil de medir. Fue una noche de miradas cómplices, de sonrisas compartidas, de personas que quizá llegaron con recuerdos y se fueron con algunos nuevos. Fotos: Stanza Musical - Marta Pons Rosana no solo celebró treinta años de carrera. Celebró todo lo que ha construido junto a quienes siguen acompañándola después de tanto tiempo. Y mientras se apagaban las luces y el público abandonaba poco a poco el recinto, quedaba una sensación difícil de ignorar: algunas ciudades siempre tienen algo de casa… y algunas noches se convierten en recuerdo exactamente como ella prometió meses atrás. Incluso antes de empezar. Solo queda dar las gracias a La Carbonería del Galván por invitarnos a formar parte de una experiencia realmente maravillosa dentro de su ciclo de conciertos. Por seguir apostando por encuentros donde la música se vive de cerca, donde cada noche tiene algo único y donde artistas y público encuentran ese espacio especial que convierte un concierto en algo que permanece mucho después de volver a casa.

Hay festivales que nacen para marcar una generación y otros que terminan convirtiéndose en un lugar al que volver cada verano. Este 2026, Boombastic Asturias se despide de su casa bajo el lema “The Last Dance”, una edición que promete ser una de las más especiales y emotivas hasta la fecha. Del 16 al 18 de julio, el Aeródromo de La Morgal volverá a convertirse en el epicentro de la música urbana en España. Y si estás preparando ya tu ruta entre escenarios, aquí tienes una selección de lo que no deberías perderte. Los conciertos que prometen convertirse en momento festival Foto: Stanza Musical - Carol Mejías María Becerra — uno de los nombres más esperados La artista argentina llega como uno de los grandes reclamos de esta edición. Su mezcla de pop latino, urbano y canciones convertidas ya en himnos generacionales la convierten en una apuesta segura para uno de los conciertos más multitudinarios del fin de semana. Foto: Stanza Musical - Carol Mejías Hijos de la Ruina — una reunión que puede ser histórica La unión de Natos y Waor y Recycled J sigue siendo uno de los momentos más esperados del cartel. Rap, himnos generacionales y uno de esos conciertos que probablemente terminen entre los más comentados del fin de semana. Foto: Stanza Musical - Chiva y Sierra Saiko — el fenómeno que sigue creciendo Si hablamos de artistas que dominan actualmente el panorama urbano nacional, Saiko aparece inevitablemente entre los primeros nombres. Energía, repertorio lleno de éxitos y una conexión con el público que encaja perfectamente con el espíritu Boombastic. Foto: Stanza Musical - Bianca Petrisor Luck Ra — para quienes quieren bailar sin descanso El toque más festivo y desenfadado llega con Luck Ra, que se ha convertido en uno de los nombres más reconocibles del sonido latino actual. Foto: Stanza Musical - Andrea Rocha Elena Rose — una de las voces más emocionales del cartel Entre tanto ritmo urbano también habrá espacio para bajar revoluciones y dejarse llevar por canciones que conectan desde otro lugar. Elena Rose se ha convertido en una de las artistas latinas con mayor crecimiento en los últimos años gracias a una propuesta mucho más íntima y emocional, capaz de transformar un escenario enorme en algo sorprendentemente cercano. Foto: Stanza Musical - Carol Mejías Marlena — el toque pop que puede sorprender Marlena representa ese lado más luminoso y festivalero del cartel. Canciones para cantar a pleno pulmón, melodías que funcionan en directo y ese tipo de concierto que muchas veces termina siendo uno de los recuerdos inesperados del festival. Foto: Stanza Musical - Carol Mejías JC Reyes, Yung Beef y Kidd Keo Tres nombres imprescindibles si lo tuyo es el lado más contundente del urbano español. Cada uno con una propuesta distinta, pero todos con capacidad para levantar el recinto entero. Foto: Stanza Musical - Carol Mejías YSY A — uno de los nombres imprescindibles del urbano latino Si lo tuyo es el rap, el trap y los directos intensos, apunta este nombre. YSY A llega como uno de los artistas más influyentes del movimiento urbano argentino y uno de esos conciertos donde el público suele convertirse en parte del espectáculo desde el primer tema hasta el último. No todo es correr de escenario en escenario Boombastic se ha convertido en algo más que una sucesión de conciertos. La experiencia suele estar pensada para pasar el día entero dentro del recinto: zonas de descanso, actividades, espacios para crear contenido, oferta gastronómica y una producción cada vez más grande acompañando cada edición. Mi recomendación para disfrutarlo de verdad: deja huecos sin planificar. Muchas veces el concierto que recuerdas meses después es precisamente el artista al que llegaste por casualidad. Vive esta edición como si fuera la última (porque tal vez lo sea) El lema “The Last Dance” no parece casual. La organización ha presentado esta edición como la despedida de Boombastic en Asturias, el lugar donde el festival ha crecido y construido gran parte de su identidad. Así que si vas este año, quizá no se trate solo de ver artistas. Puede que también sea el momento de despedirse de una etapa del festival que muchos han vivido verano tras verano. Y quién sabe: dentro de unos años, quizá todos digan aquello de “yo estuve en el último Boombastic de La Morgal”.

Hay conciertos que se escuchan y conciertos que se viven. Y luego están esos otros que parecen ocurrir en un lugar intermedio entre la tradición y el sueño, entre la fiesta popular y el espectáculo escénico. La noche de Rodrigo Cuevas en La Carbonería del Tierno Galván perteneció claramente a esa categoría. El nuevo ciclo madrileño recibía una de las propuestas más singulares del panorama nacional y, desde el primer minuto, quedó claro que aquello no iba a ser una simple sucesión de canciones. Rodrigo Cuevas apareció sobre el escenario vestido de blanco y abrió la noche con Un mundo feliz, una declaración de intenciones convertida en canción. Entre ritmos que miran al presente y un mensaje que reivindica la diferencia, la libertad y el derecho a ocupar espacio siendo uno mismo, el artista marcó desde el inicio el tono de una noche donde todo parecía posible. Sin apenas dejar tiempo para tomar aire llegaron BLZA y La hermana cautiva, dos piezas que ayudan a entender muy bien el universo creativo de Cuevas. En ellas conviven el imaginario popular, el lenguaje contemporáneo y esa forma tan suya de reinterpretar el folclore sin convertirlo en nostalgia. Hay tradición, sí, pero también electrónica, teatralidad y una voluntad constante de romper cualquier frontera estética. Fotos: Stanza Musical - Andrea Rocha A partir de ahí, el concierto fue creciendo como una celebración colectiva. Rodrigo no entiende el escenario únicamente como un lugar donde interpretar canciones; construye escenas, genera conversación y convierte cada tema en una pequeña pieza dentro de un espectáculo mucho más grande. Uno de los momentos más enigmáticos llegó con Sácame a bailar, una invitación imposible de rechazar. El público respondió como si aquello fuera una verbena moderna, dejándose llevar por ese espíritu festivo que atraviesa buena parte del repertorio del artista asturiano. Porque si algo consigue Rodrigo Cuevas es borrar la distancia entre escenario y espectadores. También hubo espacio para canciones como La Playa, donde la energía se relajó por momentos para dejar entrar una atmósfera distinta, más envolvente y sensorial, antes de volver a elevar el pulso del concierto. Con Casares, el espectáculo recuperó ese equilibrio tan característico entre raíz y experimentación, demostrando que la tradición puede seguir siendo un lugar desde el que contar cosas nuevas. Fotos: Stanza Musical - Andrea Rocha Uno de los puntos más celebrados llegó con Veleno, donde el concierto volvió a transformarse en una auténtica fiesta. El cuerpo pide moverse casi sin darse cuenta y el público terminó completamente entregado a ese universo donde lo popular y lo contemporáneo dejan de tener límites. Pero entre el desenfreno y la celebración también aparecieron momentos que conectaban desde otro lugar. Más animal funcionó como uno de esos himnos que condensan muy bien la esencia artística de Rodrigo Cuevas: libre, instintiva, orgullosa y profundamente humana. Mientras que El día que nací yo aportó uno de los momentos más luminosos y compartidos de la noche, con esa sensación de estar celebrando algo que pertenece tanto al artista como al público. Fotos: Stanza Musical - Andrea Rocha Y cuando parecía que el concierto ya había dado todo lo que tenía dentro, llegó el cierre. La Fiesta apareció como el final perfecto para una noche que llevaba dos horas demostrando que la celebración también puede ser una forma de expresión artística. El Tierno Galván terminó convertido en una pista de baile improvisada, en una romería contemporánea donde convivieron tradición, electrónica, humor, libertad y mucho folclore. Cuando las luces empezaron a apagarse y el escenario quedó atrás, permanecía esa sensación que dejan los conciertos especiales: la de haber asistido a algo irrepetible. Porque Rodrigo Cuevas no solo ofreció un concierto en La Carbonería. Consiguió que, por unas horas, todos formáramos parte de su fiesta.

Hay festivales que se disfrutan y festivales que se sobreviven. Y luego está Azkena Rock Festival, que año tras año demuestra que es algo más que una sucesión de conciertos: es una forma de entender la música. En 2026 volvió a confirmarlo durante tres jornadas marcadas por el calor, la lluvia y esa sensación tan propia de Mendizabala de que, pase lo que pase, el rock siempre gana. Desde el jueves, el recinto vitoriano volvió a convertirse en punto de encuentro para miles de personas llegadas de todas partes. El ambiente que caracteriza al Azkena estuvo presente desde el primer minuto: camisetas negras, cerveza fría, reencuentros anuales y esa mezcla de generaciones que pocos festivales consiguen mantener intacta. Las dos primeras jornadas dejaron actuaciones memorables y un público que ya empezaba a intuir que la meteorología iba a querer tener también su protagonismo este año. Aunque este año no pudimos vivir en primera persona las jornadas del jueves y viernes, el Azkena ya había empezado a dejar momentos para el recuerdo entre chaparrones y reencuentros. Supimos de una primera jornada marcada por el carácter festivo y actuaciones muy comentadas como las de DeWolff, Imelda May, The Hives o unos celebrados The Adicts. El viernes, la lluvia se convirtió en protagonista obligando a reajustar horarios, pero no impidió que nombres como Alice Cooper, Sugar, Circle Jerks o Voivod mantuvieran intacto el espíritu de resistencia que define al festival. Cuando llegamos el sábado, Mendizabala ya llevaba dos días demostrando que ni el agua podía frenar al Azkena. Fotos: Stanza Musical - Amaia Mendo Nosotras no pudimos estar presentes ni jueves ni viernes, pero bastaba con escuchar a quienes llegaban al sábado con la voz rota y las zapatillas castigadas para entender que habían sido dos días intensos. El comentario era prácticamente unánime: conciertos enormes, un ambiente difícil de igualar y un cielo que iba alternando treguas y amenazas. Y entonces llegó el sábado. Nuestro único día en Mendizabala. Y vaya si fue suficiente para recordar por qué este festival sigue teniendo algo especial. La jornada arrancó temprano con Lepora, que jugaban en casa y se encargaron de abrir el día con energía y actitud. De esos conciertos que parecen diseñados para despertar al recinto entero y recordar que aquí no se viene a mirar: se viene a vivirlo. Fotos: Stanza Musical - Amaia Mendo La presencia vasca tuvo continuidad con Rodeo. Formada en 2015 y con cinco álbumes a sus espaldas, la banda tomó el escenario La Salve con una actuación contundente, intensa y sin concesiones, reafirmando el gran momento que atraviesa una de las propuestas más personales del rock vasco actual. Un directo sólido que mantuvo el pulso de una mañana que ya dejaba claro que, incluso entre barro y lluvia, el Azkena seguía siendo territorio de guitarras y autenticidad. Fotos: Stanza Musical - Amaia Mendo Con el calor todavía apretando apareció uno de los grandes descubrimientos del día: Split Dogs. De esas bandas que quizá llegas sin tener demasiado controladas y sales preguntándote cómo has tardado tanto en escucharlas. Su directo fue pura electricidad y gran parte de la culpa la tuvo una frontwoman magnética, de las que convierten un escenario en territorio propio con una facilidad insultante. Fotos: Stanza Musical - Amaia Mendo Entre concierto y concierto tocó hacer parada técnica, hidratarse y buscar algo de sombra —uno de esos puntos donde quizá se echó en falta una infraestructura algo más amable por parte de la organización— porque si algo dejó claro este Azkena fue que Mendizabala puede ponerte a prueba tanto bajo el sol como bajo el agua. Fotos: Stanza Musical - Amaia Mendo Y entonces llegó uno de esos momentos que se quedan grabados. Trashville volvió a demostrar que sigue siendo uno de los corazones más auténticos del festival, el escenario que dinamita el Azkena Rock Festival con las propuestas más primitivas, locas, explosivas, rudimentarias y rabiosas. Allí nos esperaba The Bridge City Sinners, protagonistas de uno de los conciertos más celebrados del día. La carpa estaba completamente entregada; apenas había espacio para moverse mientras el público acompañaba cada tema como si estuviera viviendo una ceremonia colectiva. Sonaron himnos como Run from the Sun o Song of the Siren, y el momento terminó de explotar cuando invitaron a Moonshine Wagon a subir al escenario para compartir canción. Caos del bueno. Del que hace recordar por qué el directo sigue siendo insustituible. La noche tenía reservado uno de esos nombres que por sí solos justifican un cartel: Social Distortion. Y ocurrió algo que ya casi parecía inevitable durante esta edición: volvió a llover. Pero lejos de romper el momento, terminó elevándolo. Ver a Social Distortion sonar bajo el agua, con el público resistiendo sin moverse, convirtió el concierto en algo difícil de explicar y muy fácil de recordar. Hubo espacio para canciones nuevas y clásicos que siguen funcionando décadas después. Sí, dolió un poco que I Was Wrong se quedara fuera del repertorio, pero cuando cerraron con Don’t Drag Me Down ya daba igual. Había algo casi cinematográfico en ese final entre guitarras, lluvia y gente cantando sin importar demasiado estar empapada. Fotos: Stanza Musical - Amaia Mendo Y cuando parecía que el cuerpo ya no daba para más, apareció Carpenter Brut para dinamitar las pocas fuerzas que quedaban. Electrónica oscura, potencia desatada y un cierre perfecto para una jornada que parecía haber contenido varias vidas en unas pocas horas. Al final, eso fue Azkena 2026. Tres días de festival. Calor sofocante. Chaparrones inesperados. Barro en las zapatillas y canciones en la cabeza. Fotos: Stanza Musical - Amaia Mendo Nosotras solo estuvimos el sábado. Un único día entre lluvia, barro y guitarras que, aun así, bastó para recordarnos por qué seguimos volviendo a lugares como este. Porque hay festivales que se disfrutan y otros que consiguen quedarse contigo mucho después de abandonar el recinto. Volvimos a casa con esa sensación difícil de explicar: la de haber vivido algo que merecía la pena, la de haber estado exactamente donde queríamos estar, aunque solo fuera durante unas horas. Con los pies cansados, la cámara llena y el corazón un poco más lleno todavía. Y ahora sí, empieza la cuenta atrás. Porque en 2027 Azkena Rock Festival celebrará su 25 aniversario. Y si Mendizabala ha demostrado algo durante todos estos años es que nunca ha sido solo un festival: ha sido un lugar al que volver, una tradición para muchos y un refugio para quienes siguen creyendo que hay canciones que se viven mejor bajo un cielo gris y entre desconocidos que, durante unos días, parecen los de siempre. Así que sí: aunque acabemos de irnos, ya estamos contando los meses para volver a cruzar esas puertas y reencontrarnos con todo aquello que hace del Azkena algo tan difícil de explicar y tan fácil de echar de menos.

Cuando las canciones forman parte de la vida de quien las escucha, un concierto deja de ser una sucesión de temas para convertirse en un viaje. Eso fue lo que ocurrió la pasada noche del 20 de junio en el Palacio Vistalegre de Madrid, donde OneRepublic transformó cada acorde en un recuerdo y cada pausa en una oportunidad para conectar con un público entregado desde el primer minuto. La espera había sido larga. Demasiado larga. Tras años sin visitar nuestro país y después de la cancelación de sus dos últimos conciertos en España, el regreso de la banda (formada por Ryan Tedder, Zach Filkins, Brent Kutzle, Brian Willet, Eddie Fisher y Drew Brown), estaba rodeado de una enorme expectación. Pero bastaron apenas unos minutos para entender que toda aquella espera había merecido la pena. Antes de la llegada de los estadounidenses, el público tuvo la oportunidad de disfrutar de una actuación tan inesperada como brillante. La bailaora Belén López, acompañada por su banda entre guitarras, cajón y palmas, convirtió el escenario en un auténtico tablao flamenco. Durante media hora nos regaló una exhibición de pasión, fuerza y arte puro. Su interminable taconeo y la intensidad de cada movimiento dejaron al recinto completamente rendido a sus pies. Foto: Stanza Musical - Carol Mejías A las 21:00 horas en punto llegó el momento esperado. La instrumental “Born” comenzó a sonar mientras los músicos ocupaban sus posiciones. La tensión era palpable. Entonces, “Runaway” rompió el silencio y Ryan Tedder apareció sobre el escenario como una auténtica explosión de energía. La ovación fue ensordecedora. Madrid llevaba demasiado tiempo esperando este momento. “Feel Again” y “Good Life” terminaron de encender una noche que apenas acababa de comenzar. Con guitarra en mano, Tedder quiso dirigirse al público para agradecer el cariño recibido y pedir disculpas por las ocasiones en las que la banda no había podido actuar en España, especialmente por la última cancelación provocada por problemas de salud. Sus palabras fueron sinceras y emotivas, una muestra más de la cercanía que siempre ha caracterizado al grupo. La emoción continuó creciendo con “Stop and Stare”, una de esas canciones capaces de detener el tiempo durante unos minutos. La voz de Tedder sonó impecable, llevando al público por un viaje de recuerdos y emociones difícil de describir. Poco después llegó “Secrets”, una de las favoritas indiscutibles de los fans. Escuchar en directo la perfecta combinación entre el violonchelo y el violín de Brent Kutzle y Ashley Clark volvió a demostrar por qué esta canción sigue siendo tan especial después de tantos años. Foto: Stanza Musical - Carol Mejías El concierto cambió de ritmo con “Rescue Me” y “Run”, invitando a todo el recinto a bailar y olvidarse de cualquier preocupación. Y justo cuando parecía imposible conectar más con el público, OneRepublic recuperó uno de sus momentos más característicos: el formato acústico. La banda se reunió en el centro del escenario, recordando inevitablemente aquellas visitas anteriores a nuestro país. Fue un instante íntimo y cercano que permitió ver a los músicos en su versión más natural. Antes de comenzar, Ryan Tedder quiso hacer un regalo muy especial a los asistentes. Recordando la victoria de España en la Eurocopa y su actuación previa a la final interpretando “Fire” junto a Meduza y Leony, lanzó al público tres balones de la selección española firmados por la banda. Uno de ellos aterrizó justo a mi lado, aunque la persona de al lado fue más rápida. Felicidades al afortunado. “Life in Color” sonó entonces como un auténtico himno a la felicidad. Uno de esos momentos que te recuerdan por qué OneRepublic sigue llenando recintos después de tantos años. La complicidad entre sus integrantes es evidente y explica gran parte de su éxito. Pero las sorpresas no habían terminado. Ryan Tedder regaló al público dos canciones que forman parte de su impresionante legado como compositor. Primero llegó “Halo”, inmortalizada por Beyoncé, y después “Bleeding Love”, éxito mundial de Leona Lewis. Ver ambas interpretadas por su propio creador fue uno de los momentos más especiales de toda la noche. Sin embargo, la gran sorpresa para el público español llegó con “La Perla”, canción compuesta para Rosalía y que Ryan Tedder quiso interpretar un pedazo de la canción junto a Zack Filkins. Un regalo exclusivo que arrancó una enorme ovación y que permitió disfrutar de una pieza que rara vez forma parte de sus conciertos. Y cuando parecía que ya lo habíamos visto todo, las pantallas gigantes proyectaron un emotivo vídeo homenaje dedicado a Madrid y a España. Un detalle cargado de significado que emocionó profundamente a los miles de asistentes. La recta final fue una sucesión constante de momentos memorables. “Lose Somebody” transmitió una fuerza inesperada en directo antes de dar paso a “Apologize”, probablemente la canción que cambió para siempre la historia de OneRepublic. Escucharla en vivo es una experiencia que todo amante de la música debería vivir al menos una vez. La reciente “Need Your Love” llegó acompañada de otra sorpresa: la aparición de Emil Reinert, más conocido como Emilio Piano. Su presencia junto a la banda provocó una reacción inmediata entre el público, que no esperaba una colaboración de semejante nivel. “I Ain't Worried” convirtió Vistalegre en un gigantesco coro, mientras que “I Lived”, una de las canciones más inspiradoras de su repertorio, volvió a demostrar la capacidad de OneRepublic para conectar emocionalmente con miles de personas al mismo tiempo. Personalmente, eché de menos escuchar “Come Home”, una canción que siempre ha significado mucho para mí y que en esta ocasión se quedó fuera del repertorio. Foto: Stanza Musical - Carol Mejías Con “Sunshine” parecía llegar el desenlace. Ryan Tedder recorrió el escenario grabando él mismo con una cámara mientras cantaba, generando uno de los momentos más divertidos y espontáneos de toda la noche. Pero OneRepublic todavía guardaba una última sorpresa. Zack Filkins apareció con una guitarra española entre las manos y comenzó a interpretar un espectacular solo flamenco. Entonces regresó Belén López para acompañarlo con una actuación llena de fuerza y pasión. La fusión entre ambos mundos fue sencillamente perfecta. Y así llegó “Counting Stars”. Probablemente, junto a “Apologize”, la canción más querida por los seguidores de la banda. Con todos los músicos sobre el escenario y Belén López entregándose por completo al baile, el recinto entero estalló en una celebración colectiva. Miles de personas cantando, saltando y compartiendo uno de esos momentos que justifican por sí solos la existencia de la música en directo. Foto: Stanza Musical - Carol Mejías El final estaba cerca. “I Don't Wanna Wait”, “Calling” y finalmente “If I Lose Myself” pusieron el broche definitivo a una noche que nadie quería que terminara. No sabemos cuándo volverá OneRepublic a España. Ni siquiera sabemos si volverá. Pero después de lo vivido el 20 de junio, hay algo que sí sabemos con certeza: debería hacerlo. Porque pocas bandas consiguen que sus canciones formen parte de la vida de las personas. Pocas bandas son capaces de convertir cada concierto en una experiencia emocional tan intensa. Pocas bandas logran que una simple canción sea capaz de cambiarte el día, devolverte la energía o recordarte quién eres. Eso es exactamente lo que consigue OneRepublic. Y la noche del sábado Madrid se lo devolvió de la mejor manera posible: cantando cada palabra, celebrando cada canción y despidiendo a la banda con una ovación interminable. Porque aquí se les quiere. Y porque esa noche quedó claro que España sigue necesitando a OneRepublic.

Hay canciones que no envejecen. Canciones que no pertenecen a una época concreta, sino a una emoción. A tardes frente al televisor, a habitaciones decoradas con pósters, a coreografías improvisadas delante del espejo y a una generación entera que aprendió que la amistad, los sueños y la música podían cambiarlo todo. Anoche, 19 de junio, el Movistar Arena de Madrid dejó de ser un recinto de conciertos para convertirse en una auténtica máquina del tiempo. Laura Esquivel y Brenda Asnicar regresaron juntas con Laura y Brenda: Amigas del Corazón World Tour y, durante unas horas, consiguieron algo que parecía imposible: devolvernos a aquella infancia que muchos guardaban intacta en algún rincón del corazón. No importó la edad. Entre el público había quienes crecieron viendo cada episodio después del colegio y quienes ahora compartían ese recuerdo con nuevas generaciones. Lo que ocurrió en Madrid fue mucho más que un concierto; fue un reencuentro con quienes fuimos cuando todo parecía más sencillo. Desde el primer instante, cuando sonaron los acordes de “Amigos del Corazón”, el recinto explotó. Bastaron unas pocas notas para que miles de voces volvieran a encontrarse años después exactamente en el mismo lugar emocional. Después llegaron himnos imposibles de olvidar como “Somos las Divinas” y “Sueños de Amor”, canciones que marcaron una época y que siguen conservando intacta esa capacidad de despertar recuerdos que parecían dormidos. Fotos: Stanza Musical - Marta Pons La noche continuó como un viaje por la banda sonora de toda una generación: “A Volar”, “Fiesta”, “Un Rincón del Corazón”, “Tangón Llorón”, “Quiero Quiero”, “Más”, “Un Beso Para Mí”, “Respeto” y “Cuando Pienso en Ti” fueron llegando una tras otra entre gritos, lágrimas, abrazos y teléfonos intentando capturar un momento que, en realidad, solo podía sentirse. Sobre el escenario hubo música, coreografías y una producción pensada para conectar directamente con quienes crecieron acompañando las historias de Patito, Antonella y Las Divinas. Pero el verdadero espectáculo estaba también abajo: miles de personas cantando de memoria letras que llevaban años sin escuchar y descubriendo que nunca dejaron de formar parte de ellas. Laura Esquivel y Brenda Asnicar demostraron que aquello nunca fue simplemente una serie juvenil. Fue refugio, identidad, primeras amistades, tardes felices y canciones que terminaron formando parte de la memoria colectiva de toda una generación. Y cuando llegó el momento del cierre, el Movistar Arena terminó de rendirse por completo. Las primeras notas de “Las Divinas” bastaron para que el recinto entero estallara una última vez. Ya no importaban los móviles, ni intentar grabarlo todo, ni guardar pruebas de que aquello había ocurrido. En ese instante solo existían las voces de miles de personas cantando juntas una canción que llevaba años viviendo silenciosamente en sus recuerdos. Fotos: Stanza Musical - Marta Pons Porque anoche nadie volvió únicamente a una serie. Volvimos a una época. A las tardes sin preocupaciones, a correr a casa para no perderse un capítulo, a discutir si uno era más de Patito o de Antonella, a aprender letras que todavía siguen apareciendo en la memoria aunque hayan pasado los años. Volvimos a cuando todo parecía más simple y cualquier problema se arreglaba con una canción, una amistad o un sueño enorme que todavía no sabíamos si podríamos alcanzar. Y quizá eso fue lo más bonito de la noche. Descubrir que crecer no significa olvidar. Que esas canciones que parecían quedarse encerradas en una etapa concreta de nuestras vidas seguían ahí, esperando el momento adecuado para volver a emocionarnos igual que entonces. Laura Esquivel y Brenda Asnicar no solo regresaron al escenario. Regresaron a un lugar mucho más difícil de alcanzar: el recuerdo de toda una generación. Y lo hicieron demostrando que hay historias que nunca desaparecen, porque dejaron una huella demasiado grande como para borrarse con el tiempo. Fotos: Stanza Musical - Marta Pons Cuando las luces se encendieron y el público empezó a abandonar el recinto, quedó esa sensación extraña y preciosa que dejan las noches importantes: la de haber recuperado durante unas horas una parte de nosotros mismos que creíamos lejana. El concierto terminó. Pero anoche, al salir del Movistar Arena, muchos se llevaron algo más que canciones. Se llevaron de vuelta a casa a aquel niño o aquella niña que un día fue feliz cantando frente al televisor y que, por unas horas, volvió a sentir exactamente lo mismo. Y quizá ahí está el verdadero éxito de Amigas del Corazón World Tour: no haber hecho recordar una serie. Haber conseguido que, aunque solo fuera por una noche, volviéramos a sentirnos en casa.

Hay canciones que nacen desde la herida y otras que llegan cuando esa herida ya ha aprendido a mirar de frente. En “Destruction”, The Tragic Company convierte esa mezcla de rabia, decepción y consecuencia en uno de los temas más contundentes de su nueva etapa. La banda malagueña publica este 19 de junio su nuevo single, un adelanto de Paradox Vol. II, el próximo trabajo discográfico del grupo. El lanzamiento llega además acompañado de un regalo para quienes siguen de cerca su trayectoria: una versión en directo de “The Fool”, registrada durante el concierto que ofrecieron el pasado 1 de mayo de 2026 en Vélez Rubio (Almería). Con “Destruction”, The Tragic Company vuelve a mostrar su faceta más intensa y visceral. La canción habla de la traición, del rencor acumulado y de ese momento en el que el karma termina alcanzando a quien parecía estar en lo más alto. Es una caída a los infiernos construida desde la rabia, pero también desde una mirada fría y consciente hacia las consecuencias de los actos. Musicalmente, el tema conecta de lleno con el rock alternativo de los años noventa, con una clara influencia de Soundgarden, especialmente presente en el carácter del estribillo. Guitarras densas, una base contundente y una interpretación vocal que alterna agresividad y melodía dan forma a una de las canciones más directas y enérgicas de esta nueva etapa de la banda. En este sentido, “Destruction” también supone un paso importante para Juanma Medina como vocalista. En esta canción, el cantante encuentra un punto de equilibrio en el que se siente especialmente cómodo, combinando partes más rasgadas y agresivas con momentos mucho más melódicos, sin perder la identidad oscura y emocional que define a The Tragic Company. El single ha sido grabado y mezclado por Juanma Medina y Paco Requena, entre el estudio de Paco Requena y Hermes#1 Estudio. La masterización también ha corrido a cargo de Paco Requena. Se trata de una producción autoproducida por la propia banda, manteniendo así el control creativo sobre una canción que refuerza el carácter personal y honesto de este nuevo material. “Destruction” forma parte de Paradox Vol. II, el próximo disco de The Tragic Company, continuación natural de Paradox Vol. I y nuevo capítulo en la evolución sonora de la banda. En este trabajo, el grupo sigue profundizando en una mezcla de rock alternativo, metal, grunge y elementos progresivos, con canciones que se mueven entre la contundencia, la emoción y una cuidada construcción atmosférica. Mientras sigue dando forma al lanzamiento del disco, la banda también prepara su regreso a los escenarios. Entre las próximas fechas confirmadas destacan el 5 de septiembre en Zaidín Rock (Granada) y el 18 de septiembre en Terra (Castellón), donde compartirán cartel con Celtibeerian, dentro de una gira que continuará ampliándose durante los próximos meses. Formados entre Málaga y Granada, The Tragic Company ha ido consolidando una trayectoria propia dentro del panorama del rock alternativo nacional. Su propuesta, marcada por los contrastes dinámicos y una búsqueda constante de intensidad emocional, encuentra en “Destruction” una nueva declaración de intenciones. Una canción áspera y honesta que habla de lo que queda después del golpe: la caída, el eco de las decisiones y el peso de aquello que nunca llegó a olvidarse.

Madrid volverá a convertirse este verano en una de las paradas destacadas de Bacilos. El reconocido dúo colombiano-brasileño formado por Jorge Villamizar y André Lopes actuará el próximo 12 de julio en la sala La Riviera, en una cita muy esperada por sus seguidores españoles y que se enmarca dentro de la gira internacional con la que continúan presentando su último trabajo de estudio, Pequeños Romances (2024, Kooperativa). El concierto supondrá el regreso de una de las formaciones más emblemáticas del pop latino contemporáneo a la capital española, reafirmando el vínculo que el grupo mantiene desde hace años con el público europeo y especialmente con España, país donde sus canciones han acompañado a varias generaciones. Con más de tres décadas de trayectoria musical, Bacilos se ha consolidado como una de las propuestas más reconocibles del panorama latino gracias a una fórmula que combina pop acústico, sonidos caribeños, folk latino y letras cercanas que hablan de viajes, relaciones, nostalgia y experiencias cotidianas. El proyecto nació a finales de los años noventa y rápidamente consiguió destacar dentro del mercado latinoamericano gracias a una identidad sonora propia y a una forma de entender la canción que se alejaba de las tendencias más comerciales del momento. Su crecimiento internacional terminó de consolidarse con discos que se convirtieron en referentes del género y con una colección de canciones que hoy forman parte del imaginario colectivo de la música en español. Temas como “Caraluna”, “Tabaco y Chanel”, “Mi primer millón”, “Pasos de Gigante” o “Por hacerme el bueno” han convertido al grupo en una referencia imprescindible dentro del repertorio latino de las últimas décadas. Especialmente Mi primer millón, uno de sus mayores éxitos, continúa siendo uno de esos himnos capaces de reunir distintas generaciones en cada concierto. A lo largo de su carrera, Bacilos también ha recibido importantes reconocimientos internacionales. Entre ellos destacan sus pasos por escenarios de gran formato en América Latina, actuaciones multitudinarias y premios como la Gaviota de Oro y la Gaviota de Plata en el prestigioso Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar. Además, el grupo ha logrado llenar recintos de referencia como el Movistar Arena en Colombia, confirmando su capacidad para mantener intacta su conexión con el público tras años de carrera. En esta nueva etapa, el lanzamiento de Pequeños Romances ha supuesto una continuación natural del sonido que siempre ha definido a Bacilos, incorporando nuevas historias y una producción actual sin perder la esencia melódica que les convirtió en una banda de referencia. Gracias a este trabajo, el dúo ha recorrido algunos de los festivales y escenarios más importantes del circuito internacional, con actuaciones en países como Costa Rica, Ecuador, Italia y España. La actuación en La Riviera llegará además después del recordado paso del grupo por Río Babel en 2025 y promete convertirse en una noche cargada de nostalgia, celebración y canciones que han marcado a toda una generación de oyentes. Madrid tendrá así una nueva oportunidad de reencontrarse con una de las propuestas más influyentes, reconocibles y queridas de la música latina contemporánea. 📅 Fecha: 12 de julio de 2026. 🕐 Horario: - Apertura de puertas: 19:30 - Inicio del concierto: 21:00 📍 Lugar: Sala La Riviera 👉 Experiencia apta para su compra con el Bono Cultural Joven del Ministerio de Cultura y Deportes. Puedes consultar las preguntas frecuentes aquí 🧒 Menores de edad: Entrada permitida a menores de 16 acompañados de tutor legal.

Nace un nuevo ciclo de conciertos en el Parque Enrique Tierno Galván del 24 de junio al 8 de julio. Madrid suma una nueva cita musical a su calendario estival. Del 24 de junio al 8 de julio, el Parque Enrique Tierno Galván acogerá la primera edición de La Carbonería del Galván, un nuevo ciclo de conciertos impulsado por La Carbonería que nace con vocación de continuidad y una identidad clara: convertir el parque en un espacio para habitar la música. El ciclo de conciertos La Carbonería del Galváí tiene un cartel de lo más llamativo completando asicompleta su programación con dos nombres de gran peso en la escena musical: Rosana y Ke Personajes, que se suman al cartel como los últimos artistas confirmados. Con estas incorporaciones, el festival culmina una programación diversa y de gran calidad que también contará con actuaciones de Rodrigo Cuevas, Miss Caffeina, Gipsy Kings y Kiko Veneno, entre otros nombres destacados. La presencia de Rosana supone uno de los momentos más especiales de esta edición. La artista canaria regresa a los escenarios tras un tiempo alejada de ellos, en una vuelta muy esperada por su público. Autora de algunas de las canciones más reconocibles del pop en español, Rosana ha construido una carrera marcada por la sensibilidad de sus letras y su cercanía con el público. Su concierto en La Carbonería del Galván será una oportunidad única para reencontrarse con una de las voces más queridas del panorama musical y celebrar su esperado regreso en directo. Por su parte, Ke Personajes se han convertido en uno de los fenómenos musicales más potentes de la música latina actual. La banda argentina, liderada por Emanuel Noir, ha sabido renovar el sonido de la cumbia incorporando influencias de distintos géneros y creando un estilo propio que conecta con nuevas generaciones de oyentes. Desde sus inicios han experimentado un crecimiento imparable, acumulando millones de reproducciones en plataformas digitales y realizando extensas giras internacionales. El grupo ha protagonizado además algunos de los conciertos más multitudinarios de su carrera en los últimos años, con actuaciones en grandes recintos y numerosas fechas con entradas agotadas. El cartel del festival, que se celebrará del 24 de junio al 5 de julio en el parque Enrique Tierno Galván, se completa con nombres como Rodrigo Cuevas, Miss Caffeina, Gipsy Kings, Kiko Veneno, Zapata, Marwan y Albert Pla, pasando por el fenómeno internacional de Ke Personajes y el regreso de Rosana a los escenarios. Una programación que reúne a artistas muy distintos entre sí y que propone un recorrido por algunas de las voces y estilos más singulares de la escena musical. El festival consolida así su apuesta por ofrecer en Madrid una programación musical de primer nivel. Además de los conciertos, La Carbonería del Galván incorporará dentro de su programación una serie de fiestas en horario de tarde-noche que ampliarán la experiencia musical del ciclo y que permitirán disfrutar del festival también en formato club. Entre las primeras citas confirmadas se encuentran Pompä Open Air, PetaZeta Pop y AFRODISE MUSIC by AARON SEVILLA, tres eventos con personalidad propia que aportarán diferentes estilos y ambientes al festival. La Carbonería del Galván no es un festival al uso. Es un ciclo que entiende el concierto como experiencia completa. En una ciudad que resignifica constantemente sus espacios, este proyecto recoge ese testigo y transforma uno de los grandes pulmones verdes del sur de Madrid en un escenario vivo. Aquí, el parque no decora: narra. Cada noche tiene su propio pulso y cada concierto funciona como un pequeño ritual al aire libre. El recinto contará además con una propuesta gastronómica pensada para acompañar la experiencia musical, permitiendo que el público pueda recorrer el espacio, disfrutar del entorno y vivir la noche a su ritmo. Todo está diseñado para equilibrar excelencia artística, comodidad y energía de lugar. El ciclo nace con la voluntad de consolidarse como una de las citas culturales del verano madrileño. El apoyo de Banco Mediolanum, Cerveza El Águila y Atresmedia como patrocinadores principales refuerza una apuesta que mira más allá de esta primera edición. La Carbonería del Galván es una invitación a vivir Madrid desde la música.A reconectar con el espacio urbano. Las entradas para todos los conciertos ya se encuentran disponibles a través de la web oficial del festival.

Los días 3, 4 y 5 de julio de 2026, el Auditorio Miguel Ríos de Rivas-Vaciamadrid volverá a acoger una nueva edición de Río Babel y se convertirá una vez más en uno de los principales puntos de encuentro musical y cultural del verano. El festival presenta ya los horarios oficiales de sus tres jornadas, que pueden consultarse en los carteles adjuntos a continuación, y confirma además una nueva incorporación al domingo: Orestes Gómez, una voz destacada en Latinoamérica y reconocido por fusionar la percusión afrocaribeña con la vanguardia de la música electrónica, el jazz y el hip-hop. La jornada inaugural del viernes 3 de julio empezará con Bandalos Chinos y continuará con artistas y bandas como La Pegatina, con su fiesta al ritmo de su nuevo disco 'Fuegos del barrio' sin olvidar a Mari Carmen; Amaia con temas como 'Tengo un pensamiento' o 'El Encuentro'; la vuelta de La M.O.D.A. a los festivales; Chambao con su esperado 25 aniversario y el potente cierre de Ultraligera con su gira 'Lapsus'. Además de Iseo & Dodosound, Louta, Juventude y Machaka. Además, Babel Comedy volverá a formar parte de la experiencia Río Babel con una programación protagonizada por algunas de las figuras más destacadas de la comedia nacional. La primera jornada contará con la presentación de Esther Gimeno, referente de la stand up comedy en España, para dar pie a Jorge Yorya, conocido por programas como 'Anda Ya', Iñaki Urrutia, David Suárez, y Podcast, el Podcast, un formato encabezado por Miguel Campos, Laura del Val, Jorge Yorya y Aarón Aguilera. El sábado 4 de julio llega cargado de rock y artistas internacionales, entre los que están Chiquita Movida, Alan Sutton y las criaturas de la ansiedad, Ilan Amores, Irepelusa, Oslo Ovnies, los míticos The Offspring presentando sus últimos lanzamientos; Molotov, que llegan desde México con su 'Gimme Tha Power; Caramelos de Cianuro con 'Rubia Sol Morena Luna'; Eskorzo con su 30 aniversario y Son Rompe Pera para cerrar la noche. Propuestas que representan distintas formas de entender la música rock, alternativa y latina. En Babel Comedy, la jornada del sábado estará presentada por Virginia Riezu, galardonada con el Óscar del Humor como Mejor Improvisadora. El elenco de humoristas también contará con Abián Díaz y su característico piano; Fran Pati, Clara Ingold y Pena y Pánico Show, el podcast en directo de La Prados y Raquel Hervás. El domingo 5 de julio, Río Babel vivirá una de sus jornadas más especiales, abriendo por todo lo alto con Orestes Gómez y con actuaciones encabezadas por Yami Safdie, Yadam, Tú Peleas Como Una Vaca, Katy Perry; gran referente del pop a nivel internacional; Bomba Estéreo con sus 'Ojitos Lindos' o 'To My Love'; y la fiesta de La Casa Azul. Poniendo así el broche de oro al festival y al Orgullo de Madrid. Acompañado de un gran cartel en el escenario Comedy, presentado por Raquel Hervás, con las actuaciones de Facu Díaz, Patricia Espejo y Xavi Daura. Además de su propuesta musical y humorística, volverá a ofrecer una experiencia completa con gastronomía internacional, zonas de descanso -con nebulizadores y espacios con sombra- y múltiples servicios para el público, manteniendo su compromiso con la sostenibilidad, la accesibilidad y el bienestar de los asistentes. El Auditorio Miguel Ríos de Rivas-Vaciamadrid cuenta con fácil acceso en transporte público gracias a la conexión con la estación de metro Rivas Futura (Línea 9, Zona B1) y diferentes líneas de autobús. También habrá servicio de taxi y VTC durante todo el evento.Para quienes acudan en vehículo privado, el festival dispondrá de parkings gratuitos con plazas asignadas por orden de llegada y espacios reservados para personas con movilidad reducida. Asimismo, Río Babel pondrá a disposición del público un servicio de lanzaderas de regreso hasta la Estación Puerta de Atocha-Almudena Grandes al finalizar los conciertos. Río Babel 2026 se consolida así como el primer festival del verano y de referencia en la capital.

La cuenta atrás ya ha comenzado para una de las citas musicales más especiales del verano en España. El próximo 4 de julio de 2026, la localidad abulense de Hoyos del Espino volverá a convertirse en el epicentro del rock con una nueva edición de Músicos en la Naturaleza, el festival que cada año transforma el entorno privilegiado de la Sierra de Gredos en un escenario único donde música y naturaleza conviven. Consolidado como uno de los festivales más singulares del calendario nacional, el evento regresa fiel a una filosofía que lo ha acompañado desde sus inicios: reunir artistas que forman parte de la historia de la música en un espacio natural excepcional, apostando además por un modelo sostenible y comprometido con el territorio. Para esta edición de 2026, el cartel reúne tres nombres de enorme peso que conectan generaciones y estilos distintos dentro del universo del rock. Encabezando el festival estarán Deep Purple, auténticas leyendas vivas del rock. Formados en Inglaterra en 1968, el grupo está considerado uno de los grandes pioneros del hard rock y una influencia imprescindible para el desarrollo posterior del heavy metal. Canciones que ya forman parte del imaginario colectivo prometen convertir su actuación en uno de los momentos más esperados del verano. Junto a ellos llegará Alan Parsons Live Project, la propuesta en directo que mantiene vivo el legado de The Alan Parsons Project. El proyecto liderado por Alan Parsons recupera décadas de rock progresivo y sonido sofisticado, llevando al escenario una colección de temas que marcaron una época y que continúan conectando con nuevas generaciones de oyentes. El cartel lo completa Burning, una de las bandas más emblemáticas del rock español. Nacidos en Madrid durante los años setenta, su trayectoria los convirtió en referentes absolutos del rock urbano nacional, dejando canciones que siguen formando parte del ADN musical de varias generaciones. Más allá de la música, Músicos en la Naturaleza mantiene intacta su vocación de promoción del entorno natural de Gredos. A lo largo de sus trece ediciones, el festival ha generado un importante impacto económico para la zona, estimado en más de 20 millones de euros, impulsando la actividad turística y económica del territorio y consolidando la Sierra de Gredos como un destino cultural y natural de referencia. La edición anterior dejó el listón muy alto con un cartel formado por Bryan Adams, Texas y Los Zigarros, reuniendo a miles de asistentes en una jornada donde el paisaje volvió a convertirse en un protagonista más del espectáculo. Este verano, la fórmula vuelve a repetirse: grandes nombres, un entorno incomparable y una experiencia que va más allá del directo convencional. El 4 de julio, Gredos volverá a sonar más fuerte que nunca. Las entradas para Músicos en la Naturaleza 2026, pueden comprarse desde este enlace. Recuerda que si vienes en autobús, tienes que comprar el billete de forma independiente y posterior a la entrada. Aquí te informamos de cómo funcionan

La música de raíz gallega y la tradición vasca se darán la mano el próximo 13 de junio en el Bilbao Arena – Miribilla en una de las citas culturales más especiales del año en Bilbao. Tanxugueiras encabezarán el acto central del Centenario de la Casa Galicia de Bilbao, una celebración histórica que conmemora los cien años de una de las entidades gallegas más emblemáticas fuera de Galicia. El trío formado por Tanxugueiras llegará a la ciudad en un momento especialmente significativo de su trayectoria. Convertidas en uno de los grandes fenómenos de la música estatal de los últimos años, las gallegas han conseguido llevar la tradición oral, las panderetas y el canto popular a escenarios multitudinarios sin perder su identidad ni su vínculo con las raíces. Pero esta cita tendrá además un carácter irrepetible. Sobre el escenario compartirán protagonismo con Korrontzi, dentro del espectáculo conjunto “Mundua dantzan”, una propuesta que busca unir dos culturas profundamente conectadas por la música, la tradición y el sentimiento colectivo. El concierto servirá también para presentar parte del nuevo repertorio de Tanxugueiras incluido en O cuarto, su trabajo más reciente, donde el grupo continúa explorando nuevas formas de reinterpretar el folclore gallego desde una mirada contemporánea. Más allá del concierto, el centenario de la Casa Galicia se convertirá durante varios días en una gran celebración abierta a la ciudad. Del 11 al 14 de junio habrá actividades culturales, gastronomía gallega y propuestas musicales que reforzarán el vínculo histórico entre Galicia y Bilbao bajo el lema “100 anos camiñando xuntos”. Entradas para Tanxugueiras en Bilbao Las entradas para el concierto ya están disponibles con precios desde 35 euros. La apertura de puertas está prevista para las 18:00 horas y el inicio del espectáculo a las 19:00 horas en el Bilbao Arena – Miribilla. Datos del concierto 📍 Bilbao Arena – Miribilla, Bilbao 📅 Sábado, 13 de junio de 2026 🕖 Inicio: 19:00 h 🎟 Entradas desde 35 €