El artista madrileño regresará a Barcelona los días 23 y 24 de octubre para despedir una de las giras más importantes de su trayectoria. Dos conciertos que celebran 25 años de canciones, desde los himnos de El Canto del Loco hasta su consolidada carrera en solitario, y que convertirán el Palau Sant Jordi en el escenario de un cierre muy especial. Hay giras que van mucho más allá de presentar un disco. Se convierten en un viaje por los recuerdos, en una oportunidad para reencontrarse con canciones que han acompañado distintas etapas de la vida y en una celebración compartida entre un artista y su público. Eso es precisamente lo que ha representado 25 Pts Años, el proyecto con el que Dani Martín ha recorrido España para celebrar un cuarto de siglo de trayectoria musical. Ahora, ese recorrido se acerca a su final. El cantante regresará al Palau Sant Jordi de Barcelona los próximos viernes 23 y sábado 24 de octubre, con dos conciertos que pondrán el broche a una gira marcada por la respuesta de sus seguidores y por la recuperación de un repertorio que forma parte de la memoria colectiva de varias generaciones. Barcelona será la última parada anunciada de este recorrido, después de un año en el que el artista ha pasado por numerosas ciudades españolas y ha reunido a miles de personas en torno a una celebración que mira tanto a su pasado como a su presente musical. 25 años de canciones que siguen formando parte de nuestras vidas La historia musical de Dani Martín está ligada de manera inseparable a El Canto del Loco, una de las bandas fundamentales del pop-rock español de los años 2000. Al frente del grupo, el cantante participó en la creación de canciones que terminaron convirtiéndose en himnos generacionales y que todavía hoy mantienen su capacidad para despertar recuerdos y emociones. Tras aquella etapa, Dani Martín emprendió una carrera en solitario en la que ha construido una identidad propia, explorando nuevas formas de contar historias sin perder la cercanía y la intensidad que siempre han caracterizado sus composiciones. Su trayectoria individual ha dejado temas como «Cero», «Emocional», «Dieciocho», «Qué bonita la vida» y «La montaña rusa», canciones que conviven en el imaginario de sus seguidores con los grandes éxitos de El Canto del Loco. La gira 25 Pts Años nació precisamente para reunir esas dos etapas en un mismo espectáculo. No se trata únicamente de repasar una discografía, sino de recuperar las canciones que han acompañado a su público durante estos 25 años y darles una nueva vida sobre el escenario. Foto: Stanza Musical - @CarolMejías Una gira convertida en celebración colectiva Desde su anuncio, 25 Pts Años ha demostrado la conexión que Dani Martín mantiene con su público. La enorme demanda de entradas llevó al artista a ampliar las fechas inicialmente previstas, con múltiples conciertos que agotaron localidades y nuevas oportunidades para que sus seguidores pudieran formar parte de esta celebración. El recorrido ha pasado por diferentes ciudades españolas durante 2026, con paradas en grandes recintos y citas que han reunido a distintas generaciones de seguidores. En Barcelona, la expectación se traduce en una doble convocatoria en el Palau Sant Jordi, uno de los escenarios más emblemáticos de la música en directo del país. El cierre llega, además, después de una etapa especialmente significativa para el artista, que en noviembre de 2024 publicó El último día de nuestras vidas, su último álbum de estudio, antes de embarcarse en esta celebración de sus 25 años de carrera. El momento también invita a mirar hacia lo que vendrá después. Con la gira llegando a su fin, queda abierta la incógnita sobre los próximos pasos musicales de Dani Martín, que cierra así un capítulo importante de su trayectoria sin que, por el momento, se hayan anunciado nuevos detalles sobre su siguiente proyecto. Foto: Stanza Musical - @CarolMejías Barcelona, última parada de una celebración irrepetible El Palau Sant Jordi acogerá dos noches consecutivas en las que el público podrá acompañar al cantante en este tramo final de la gira. La propuesta promete un recorrido por sus diferentes etapas musicales, con canciones que han marcado a sus seguidores y que adquieren un significado especial en el contexto de este aniversario. El viernes 23 de octubre abrirá esta doble cita barcelonesa, mientras que el sábado 24 llegará una segunda noche que ya ha agotado todas sus entradas. La respuesta del público confirma la expectación que ha despertado el regreso del artista a la Ciudad Condal y la importancia de estas últimas fechas anunciadas. Después de meses de carretera, conciertos y reencuentros, Dani Martín se prepara para despedir una gira que ha convertido sus 25 años de carrera en una experiencia compartida. Un recorrido por las canciones de ayer y de hoy, por las historias que han crecido junto a su público y por una trayectoria que sigue encontrando nuevas formas de conectar con quienes llevan años acompañándolo. Información de los conciertos y entradas Dani Martín – Gira 25 Pts Años Fecha: viernes 23 y sábado 24 de octubre de 2026. Lugar: Palau Sant Jordi. Dirección: Passeig Olímpic, 5-7, Barcelona. Hora: 21:00 h ambas jornadas. Entradas para el viernes 23: disponibles según la información de venta consultada. Entradas para el sábado 24: agotadas. Las entradas y la información actualizada pueden consultarse en la web oficial de Dani Martín y en la página del Palau Sant Jordi. Barcelona se prepara así para vivir el capítulo final anunciado de 25 Pts Años, una gira que ha convertido un aniversario musical en una celebración colectiva. Dos noches para volver a cantar canciones que ya forman parte de nuestras vidas y despedir una etapa que ha acompañado a Dani Martín durante todo este año.

La banda canadiense celebrará sus 25 años de trayectoria con dos conciertos en España los días 26 y 27 de octubre, dentro de la gira Bigger Than You Think! Europe Tour 2026. Neck Deep acompañará al grupo en estas citas en las que no faltarán los grandes himnos del pop-punk. Hay canciones que sobreviven al paso del tiempo y siguen sonando con la misma fuerza que el primer día. Simple Plan lleva más de dos décadas poniendo banda sonora a la adolescencia, los primeros conciertos y los recuerdos de toda una generación. Este octubre, el grupo canadiense regresará a España con dos citas muy especiales para celebrar sus 25 años de trayectoria, una ocasión para reencontrarse con los temas que marcaron su historia y comprobar que el pop-punk sigue teniendo mucho que decir. La banda actuará el 26 de octubre en el Sant Jordi Club de Barcelona y el 27 de octubre en el Palacio Vistalegre de Madrid, dentro de su gira europea Bigger Than You Think! Europe Tour 2026. La expectación por su regreso ya se ha hecho notar: el concierto madrileño ha colgado el cartel de entradas agotadas, mientras que en Barcelona todavía quedan algunas localidades disponibles. 25 años de pop-punk y canciones que siguen vigentes Formados en Montreal en 1999, Simple Plan se convirtió en una de las bandas de referencia del pop-punk de los años 2000 gracias a una combinación de guitarras directas, estribillos pegadizos y letras capaces de conectar con quienes alguna vez sintieron que no encajaban, necesitaban escapar o buscaban su lugar en el mundo. Su debut, No Pads, No Helmets... Just Balls (2002), fue el punto de partida de una trayectoria internacional que continuó con discos como Still Not Getting Any... (2004), Simple Plan (2008), Get Your Heart On! (2011) y Taking One for the Team (2016). Su trabajo más reciente, Harder Than It Looks, publicado en 2022, demostró que el grupo seguía manteniendo intacta su identidad. A lo largo de estos años, canciones como «I'm Just a Kid», «Perfect», «Welcome to My Life», «I'd Do Anything», «Addicted» y «When I'm Gone» se han convertido en auténticos clásicos para sus seguidores. A ellas se suma «What's New, Scooby-Doo?», uno de esos temas que han trascendido la propia discografía del grupo y que siguen despertando la nostalgia de toda una generación. El aniversario llega, además, acompañado de The Kids in the Crowd, un documental disponible en Amazon Prime Video que repasa la historia de la banda, sus comienzos y el camino recorrido hasta convertirse en uno de los nombres más reconocibles del género. Bigger Than You Think! Europe Tour 2026: una celebración para sus seguidores La gira europea propone un recorrido por las diferentes etapas de Simple Plan, con sus grandes éxitos como protagonistas y espacio para recuperar canciones que forman parte de la memoria de sus seguidores. La intención es celebrar tanto la historia del grupo como la conexión que ha mantenido con su público durante estos 25 años. La energía de sus directos, los estribillos coreados de principio a fin y esa mezcla de nostalgia y electricidad que caracteriza al pop-punk serán algunos de los ingredientes de unas citas pensadas para reunir a varias generaciones de fans. Además, Simple Plan no llegará solo a España. La banda británica Neck Deep formará parte del cartel como invitada especial, sumando otra dosis de pop-punk a ambas jornadas. La cantante y compositora Charlotte Sands también figura en el cartel de la gira europea, aunque conviene consultar la información específica de cada concierto para confirmar la programación. Fechas, recintos y entradas BARCELONA Fecha: lunes, 26 de octubre de 2026. Lugar: Sant Jordi Club, Passeig Olímpic, 5-7, Barcelona. Hora: 21:00 h. Entradas: todavía quedan algunas localidades disponibles, aunque la disponibilidad es limitada. Compra de entradas: Ticketmaster – Simple Plan en Barcelona. MADRID Fecha: martes, 27 de octubre de 2026. Lugar: Palacio Vistalegre, calle de Utebo, 1, Madrid. Hora: 21:00 h. Entradas: agotadas. Información oficial del recinto: Palacio Vistalegre – Simple Plan. Con estas dos fechas, Simple Plan volverá a encontrarse con el público español en un momento especialmente significativo de su carrera. Barcelona será la primera parada de este regreso y la última oportunidad para quienes todavía quieran hacerse con una entrada, mientras que Madrid vivirá una noche con el aforo vendido por completo. Veinticinco años después de sus comienzos, las canciones de Simple Plan siguen recordándonos que algunas emociones no envejecen. Y pocas cosas representan mejor el espíritu del pop-punk que volver a cantar esos himnos a pleno pulmón, esta vez con toda una historia detrás.

La banda irlandesa publica su quinto disco de estudio, un trabajo de once canciones producido por James Ford que amplía sus fronteras sonoras e incluye una colaboración con Rosalía. Fontaines D.C. han publicado Dopamine Chamber, su quinto álbum de estudio, el 16 de octubre de 2026. Tras el reconocimiento internacional alcanzado con Romance (2024), el grupo irlandés vuelve con un trabajo que profundiza en su faceta más experimental y se aleja, en parte, del sonido de guitarras que marcó sus primeros discos. Publicado a través de XL Recordings, el nuevo álbum reúne once canciones en las que el post-punk convive con sintetizadores, texturas electrónicas, atmósferas sombrías y melodías de mayor amplitud. La banda conserva su identidad, pero apuesta por una producción más fría y envolvente, con la intención de explorar nuevos territorios sin renunciar a la intensidad emocional que caracteriza su música. Un disco sobre el deseo, la evasión y la necesidad de sentir El título Dopamine Chamber hace referencia a una especie de espacio en el que el oyente se adentra para experimentar distintas sensaciones. A partir de esa idea, Fontaines D.C. reflexionan sobre la búsqueda del placer en un mundo marcado por la incertidumbre, la sobreestimulación y la sensación de que cada vez resulta más difícil encontrar algo que nos conmueva de verdad. La voz de Grian Chatten adquiere un protagonismo especial en este nuevo paisaje sonoro, alternando momentos de mayor intimidad con pasajes de intensidad creciente. Los sintetizadores y las bases rítmicas adquieren más peso, mientras las guitarras dejan espacio a arreglos que acercan al grupo a terrenos relacionados con la música electrónica y la new wave. El resultado es un álbum que mira hacia delante y confirma la voluntad de Fontaines D.C. de no quedarse anclados en una única fórmula. Si Romance supuso un importante paso en su expansión internacional, Dopamine Chamber continúa ese proceso desde una perspectiva más introspectiva, atmosférica y experimental. James Ford vuelve a ponerse al frente de la producción Para este nuevo trabajo, la banda vuelve a contar con James Ford, productor que ya participó en Romance y que ha trabajado con artistas como Arctic Monkeys y Blur. Su colaboración vuelve a ser fundamental para dar forma a un sonido detallista, en el que las capas instrumentales y los elementos electrónicos contribuyen a construir la personalidad de cada canción. El álbum se grabó mayoritariamente en Decoy Studios, en Suffolk (Inglaterra). Posteriormente, Grian Chatten registró sus voces por separado junto a Ford en una casa de Palermo, Sicilia, utilizando un espacio improvisado como cabina vocal. Este proceso contribuyó a reforzar el carácter particular de las interpretaciones y la atmósfera del disco. Rosalía se une a Fontaines D.C. en ‘Where Is Gone?’ Una de las grandes sorpresas de Dopamine Chamber es la presencia de Rosalía en ‘Where Is Gone?’, una colaboración que reúne por primera vez a la banda con una artista invitada en uno de sus álbumes de estudio. La participación de la cantante catalana aporta una nueva dimensión a una canción que gira alrededor de la memoria, la pérdida y el deseo de recuperar algo que parece haber quedado atrás. El encuentro entre ambos universos musicales también refleja la admiración de Fontaines D.C. por una artista que, como ellos, ha construido una trayectoria marcada por la experimentación y la búsqueda de una identidad propia. Todas las canciones de ‘Dopamine Chamber’ El álbum está compuesto por once temas, que recorren diferentes matices de esta nueva etapa musical de la banda: Six Shot Morning Marianne Mimesis Happy For You Demolition Tongue One Man Where Is Gone? (with Rosalía) You Miss Me Japan Intimate Entre los adelantos destaca ‘Marianne’, que anticipó la dirección sonora del disco, mientras que ‘Where Is Gone?’ ha concentrado buena parte de la atención por la colaboración con Rosalía. El repertorio combina canciones de vocación melódica con otras más experimentales, manteniendo una atmósfera común a lo largo de sus once cortes. Formatos disponibles Dopamine Chamber se ha publicado tanto en formato digital como en diferentes ediciones físicas, con opciones para quienes prefieren escuchar el álbum en plataformas y para los coleccionistas. Digital: disponible para escucha en plataformas y compra en formato de descarga. CD: edición en formato digipak con libreto impreso. Vinilo negro estándar: edición en LP con funda desplegable e inserto impreso. Vinilo azul: edición especial con funda desplegable e inserto impreso. Vinilo deluxe doble: edición limitada de dos LP a 45 rpm, con funda desplegable, fundas interiores impresas, libreto de doce páginas y póster. Casete: edición con diseño alternativo y tarjeta desplegable. La disponibilidad de las ediciones puede variar según la tienda y el territorio. Para consultar los formatos y acceder a la compra, se puede visitar la tienda oficial de Fontaines D.C. o la página del álbum en Bandcamp. Con Dopamine Chamber, Fontaines D.C. abren un nuevo capítulo en su trayectoria y vuelven a demostrar que su evolución no pasa por repetir una fórmula de éxito. El grupo transforma sus inquietudes en un álbum que combina oscuridad, experimentación y melodías envolventes, ampliando los límites de su sonido y reafirmando su lugar entre las propuestas más inquietas del rock alternativo actual.

El grupo cartagenero publica su tercer álbum de estudio, once canciones que exploran la soledad, el deseo y la nostalgia bajo la producción de Joe Chiccarelli, con una nueva etapa en directo que promete convertir sus emociones en una experiencia colectiva. Hay corazones que aprenden a protegerse para no sufrir y otros que, incluso después de intentarlo, siguen encontrando motivos para sentir. En ese territorio se mueve Arde Bogotá con Manufacturas del Club de la Gente Sola (MCGS), su tercer álbum de estudio, publicado el pasado 2 de octubre. Un trabajo en el que la banda cartagenera plantea una idea tan sugerente como contradictoria: construir un corazón que no sienta para descubrir, canción a canción, que quizá la verdadera salida nunca estuvo en apagar las emociones. Después de la intensidad de La noche y la expansión que supuso Cowboys de la A3, Antonio García, Dani Sánchez, Pepe Esteban y José Ángel Mercader abren una nueva etapa creativa. Once canciones articuladas alrededor de un mismo concepto, donde la soledad, el deseo, la culpa, la nostalgia y el consuelo forman parte de un relato que invita a escuchar el álbum como un conjunto, más allá de sus temas individuales. Once canciones para aprender a sentir de otra manera Manufacturas del Club de la Gente Sola funciona como un particular manual de instrucciones emocional. Su recorrido comienza con la intención de levantar barreras frente a aquello que nos hace vulnerables, pero poco a poco esas defensas empiezan a resquebrajarse. Lo que inicialmente parece una invitación a dejar de sentir termina convirtiéndose en una reivindicación de todo aquello que nos mantiene conectados con la vida. El viaje arranca con ‘Instrucciones’, una apertura vibrante que introduce al oyente en el universo conceptual del disco. A partir de ahí, ‘Señor Herrero’ profundiza en las guitarras y en una sonoridad de mayor peso, mientras ‘Hervidero’ apuesta por la contundencia del rock stoner y sus riffs. En ‘Bigger Splash’ y ‘Olivos’, el grupo encuentra espacio para los medios tiempos y para una sensibilidad que convive con la intensidad habitual de sus composiciones. Esta última ocupa un lugar especial dentro del relato: representa un punto de inflexión, como si la naturaleza y la llegada de la primavera comenzaran a abrir una grieta en ese corazón fabricado para no sufrir. La canción que da nombre al proyecto, ‘El Club de la Gente Sola’, se adentra en esa paradoja de buscar compañía mientras se intenta mantener a distancia todo aquello que puede hacernos daño. Su planteamiento convive con el sabor funk que atraviesa el tema y con una atmósfera más íntima de lo que cabría esperar de una idea que, en principio, parecía destinada a convertirse en un himno colectivo. Por su parte, ‘Judas’ incorpora elementos de pop y vientos con sabor a pasodoble, mientras ‘El tesoro’ encuentra en las palmas y en sus estribillos apasionados una conexión directa con las raíces musicales de la banda. En el otro extremo, ‘Asidero’ reduce la intensidad para dejar respirar una composición de carácter acústico, y ‘Antifiesta’ evoluciona desde una delicadeza electrónica hacia una dimensión épica que invita a imaginar su potencial sobre un escenario. El cierre llega con ‘Sacude’, una pieza que incorpora matices flamencos y espíritu góspel para resolver la historia de una manera especialmente significativa. Si el álbum comenzaba con el propósito de fabricar un corazón incapaz de sentir, su última canción apunta en la dirección contraria: si todavía puede sacudirse, todavía puede emocionarse. Joe Chiccarelli y una nueva forma de trabajar el sonido Uno de los elementos que marcan la personalidad de MCGS es su proceso de producción. El álbum ha sido producido por Joe Chiccarelli y grabado en los míticos EastWest Studios de Los Ángeles, un entorno que ha permitido a Arde Bogotá explorar nuevas posibilidades sonoras sin renunciar a la identidad construida durante sus anteriores trabajos. Chiccarelli, conocido por su trabajo con artistas como U2, The White Stripes y Café Tacvba, aporta una mirada que empuja al grupo a salir de su zona de confort. Frente al control creativo que la banda había mantenido en procesos anteriores, esta vez los músicos han trabajado con una dinámica más compartida, tocando juntos en una misma sala y buscando una interpretación más cercana a la energía del directo. El resultado es un álbum que conserva el protagonismo de las guitarras y la fuerza del rock, pero amplía sus posibilidades mediante arreglos y referencias que conectan con la música de su tierra. El flamenco, las marchas de Semana Santa y los pasodobles aparecen integrados en una propuesta que también se atreve con texturas electrónicas, matices funk y pasajes acústicos. No se trata de abandonar el sonido de Arde Bogotá, sino de estirar sus límites. Las canciones dialogan entre sí y construyen una narración que necesita tiempo para revelar sus distintas capas, en lugar de depender únicamente del impacto inmediato de un estribillo. Del aislamiento a la emoción compartida: el nuevo reto de los directos La publicación de Manufacturas del Club de la Gente Sola abre una etapa en la que el universo conceptual del disco está llamado a encontrar una nueva dimensión sobre los escenarios. Y pocas cosas parecen tan contradictorias —y a la vez tan propias de Arde Bogotá— como llevar un álbum sobre la soledad a espacios donde miles de personas se reúnen para cantar juntas. La primera oportunidad para descubrir esta nueva etapa llega con ‘Hervideros Gira Vibra Mahou’, una serie de diez conciertos de aforo limitado concebidos para acercar al máximo a la banda y a su público. El recorrido anunciado incluye Vigo, Gijón, Granada, Málaga, Madrid, Valencia, Alicante y Murcia, con dos fechas en Madrid y otras dos en Murcia. Las entradas de esta gira se agotaron en apenas tres horas tras ponerse a la venta. La propuesta invita a imaginar unos conciertos en los que la intensidad del rock conviva con los pasajes más introspectivos del nuevo repertorio. Canciones como ‘Hervidero’, ‘Olivos’, ‘Antifiesta’ o ‘Sacude’ ofrecen registros diferentes para construir un espectáculo que no dependa exclusivamente de la contundencia, sino también de sus contrastes y de la historia que atraviesa el álbum. La banda ya ha mostrado un primer acercamiento a este universo en un ensayo especial celebrado en La Riviera de Madrid, donde presentó canciones del nuevo trabajo junto a temas de su trayectoria anterior. Ahora queda por descubrir cómo evolucionará el repertorio a lo largo de los próximos conciertos y de qué manera convivirán estas nuevas composiciones con los temas que han acompañado el crecimiento del grupo. Además, Arde Bogotá ha anunciado para 2027 la gira ‘Cómo construir un recuerdo’, con quince conciertos en doce ciudades españolas entre mayo y septiembre. Esta nueva etapa ampliará el recorrido en directo del grupo y permitirá seguir desarrollando la relación entre su música, su imaginario y la experiencia compartida con el público. Si Manufacturas del Club de la Gente Sola propone aprender a sentir de otra manera, los conciertos serán el lugar donde comprobar cómo esas emociones individuales se transforman en algo colectivo. Un disco para escuchar, pero también para coleccionar La propuesta de Arde Bogotá no termina en las plataformas digitales. El grupo ha acompañado el lanzamiento con una colección de formatos físicos que convierte el álbum en un objeto con identidad propia y presta especial atención a los detalles de diseño y presentación. Estas son las ediciones anunciadas para Manufacturas del Club de la Gente Sola: Edición Deluxe Exclusiva Limitada: la pieza más especial de la colección, presentada en forma de archivador e integrada por un vinilo Marvel premium, un flexi disc, acabados especiales en las letras, inserts exclusivos, anotaciones y contenidos adicionales. Cada ejemplar está manufacturado y numerado a mano. La edición quedó agotada durante la preventa. Edición Premium Limitada troquelada: una edición artesanal en vinilo Marvel troquelado, con acabados especiales en las letras, funda con las letras del álbum y una sobrecubierta de papel vegetal. CD Digipack: la alternativa en CD, con un diseño cuidado que mantiene la identidad visual del proyecto. Cassette: una novedad en la discografía de Arde Bogotá. La banda publica por primera vez uno de sus álbumes en este formato, recuperando un soporte especialmente atractivo para los coleccionistas. El anuncio inicial señaló como puntos de venta la web de la compañía y una estación de servicio de Alberto Aguilera, en Madrid. Vinilo gatefold con inner: una edición adicional incorporada con motivo del lanzamiento oficial, que amplía la colección con una presentación en vinilo de apertura y funda interior. El álbum también está disponible en formato digital y Dolby Atmos, ofreciendo distintas maneras de acercarse a sus once canciones. Esta apuesta por los formatos físicos acompaña el propio planteamiento del disco: una obra concebida como un universo narrativo, con una identidad sonora y visual que va más allá de cada canción por separado. Arde Bogotá, ante una nueva etapa Con Manufacturas del Club de la Gente Sola, Arde Bogotá no busca repetir una fórmula, sino explorar qué sucede cuando una banda consolidada se permite experimentar con su sonido y profundizar en un concepto común. El resultado combina la energía que ha definido su trayectoria con nuevas influencias, arreglos y espacios para la intimidad. Es un disco que habla de protegerse, de construir barreras y de intentar controlar aquello que sentimos, pero que termina encontrando su sentido en la imposibilidad de renunciar por completo a las emociones. Una historia que comienza en la soledad y busca una salida en el contacto con los demás. Ahora será el directo el encargado de completar ese recorrido. Porque, si algo demuestra la propuesta de Arde Bogotá, es que incluso el corazón que se fabrica para no sentir puede terminar encontrando una razón para volver a latir.

El Buesa Arena de Vitoria-Gasteiz se prepara para recibir el 21 de noviembre una noche de música en directo con dos de las bandas más reconocibles del panorama nacional: LA M.O.D.A. y Siloé compartirán escenario en una cita que reunirá dos formas diferentes de entender la música, pero con un mismo punto de encuentro: la capacidad de conectar con el público a través de sus canciones. La velada contará también con Nacho Pistacho como artista invitado, completando una propuesta que promete emoción, energía y mucho protagonismo para el directo. Desde Burgos, La Maravillosa Orquesta del Alcohol (LA M.O.D.A.) lleva años construyendo una identidad propia dentro de la música española. Su sonido, difícil de encasillar, combina folk, rock y música de raíz con instrumentos como el acordeón, el clarinete, la mandolina o el banjo. Una mezcla que ha convertido a la banda en una formación inconfundible, capaz de transformar sus canciones en auténticos encuentros colectivos donde la intensidad y la cercanía con el público son parte esencial de la experiencia. Con una trayectoria marcada por la personalidad de su propuesta y la fuerza de sus conciertos, LA M.O.D.A. continúa demostrando que hay canciones que adquieren una dimensión especial cuando se viven en directo. Sus melodías, letras y ritmos invitan a cantar, saltar y dejarse llevar por una energía que se ha convertido en una de sus principales señas de identidad. Al otro lado del cartel estará Siloé, la formación vallisoletana liderada por Fito Robles, que ha ido consolidando su lugar en la escena nacional gracias a una propuesta que cruza el folk, el pop-rock y la electrónica. La banda ha sabido desarrollar un sonido propio, combinando canciones de gran carga emocional con una puesta en escena cada vez más ambiciosa, en la que la intensidad musical y la conexión con el público ocupan un lugar central. Sus conciertos se han convertido en una de las grandes fortalezas del proyecto, con temas que transitan entre la intimidad y la explosión colectiva. Siloé ha conseguido construir un repertorio que invita tanto a emocionarse como a dejarse llevar por el ritmo, confirmando su crecimiento dentro de una escena musical en constante movimiento. La unión de ambas formaciones en el Buesa Arena permitirá disfrutar de dos propuestas con personalidad propia: la raíz y el espíritu colectivo de LA M.O.D.A. frente a la mezcla de sensibilidad, guitarras y electrónica de Siloé. Dos caminos distintos que coinciden en la importancia de las canciones y en una manera de entender el escenario como un espacio para compartir emociones. La noche se completará con la actuación de Nacho Pistacho, encargado de abrir una cita que reunirá diferentes matices de la música nacional en un mismo recinto. Vitoria-Gasteiz se prepara así para una velada en la que las canciones serán las protagonistas y el directo tendrá la última palabra. Una oportunidad para reencontrarse con dos bandas que han sabido ganarse al público desde la autenticidad y que llevarán al Buesa Arena la energía de sus respectivos universos musicales. Entradas para LA M.O.D.A. y Siloé en Vitoria-Gasteiz Las entradas para disfrutar de LA M.O.D.A., Siloé y Nacho Pistacho en el Buesa Arena de Vitoria-Gasteiz, el próximo 21 de noviembre, ya están disponibles a través de la plataforma oficial Ticketmaster – LA M.O.D.A. + Siloé. Horarios Apertura de puertas: 18:30h Inicio de los conciertos: 19:30h Fin de los conciertos: 00:30h Servicio de autobús (desde Burgos) Se dispondrá de autobuses entre Burgos y el Buesa Arena para asistir al evento. Los billetes se adquieren en el propio proceso de compra de Ticketmaster. Salida (Plaza de España de Burgos): 16:30h Llegada Buesa Arena: 18:00h Regreso: 45 minutos después de la finalización del evento Política de menores Los menores de 16 años podrán acceder al recinto siempre que vayan acompañados por un adulto responsable, de acuerdo con la normativa vigente. Movilidad Reducida Si deseas adquirir entradas para Personas de Movilidad Reducida, solicítalas en el teléfono 930 497 500.

Hay bandas cuyas canciones terminan formando parte de nuestra propia historia, acompañándonos en los primeros amores, las despedidas, los reencuentros y esos momentos que, con el tiempo, se convierten en recuerdos inolvidables. Morat lleva años construyendo esa conexión tan especial con su público y este mes de octubre vuelve a España para demostrar, una vez más, que su música sigue teniendo mucho que decir. La banda colombiana aterriza en nuestro país con su ‘Ya Es Mañana Tour’, una gira internacional con la que está recorriendo grandes escenarios durante 2026 para presentar su último trabajo discográfico sin dejar atrás los éxitos que la han convertido en una de las formaciones más queridas del pop en español. Cuatro noches con Morat en Madrid Madrid se prepara para recibirlos por todo lo alto. El Movistar Arena será el escenario de cuatro conciertos los días 27, 28, 30 y 31 de octubre de 2026, cuatro oportunidades para reencontrarse con una banda que ha conseguido convertir sus canciones en auténticos himnos generacionales. Las dos primeras fechas, correspondientes al 27 y al 28 de octubre, colgaron el cartel de entradas agotadas, lo que llevó al grupo a anunciar dos nuevas citas para los días 30 y 31. Una muestra más de la enorme expectación que despierta su regreso y de la conexión que mantienen con el público español. Pero Madrid no será la única parada de esta esperada visita. Morat recorrerá también otras ciudades españolas durante el mes de octubre: Barcelona: 16 y 17 de octubre, en el Palau Sant Jordi. Pamplona: 21 de octubre, en el Navarra Arena. Valencia: 23 de octubre, en el Roig Arena. Sevilla: 25 de octubre, en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Madrid: 27, 28, 30 y 31 de octubre, en el Movistar Arena. Las entradas para los conciertos de Madrid pueden consultarse en la web oficial del recinto y en Ticketmaster. Las fechas del 27 y 28 ya están agotadas, mientras que conviene comprobar la disponibilidad actual para las actuaciones del 30 y 31. Foto: Stanza Musical - @CarolMejías ‘Ya es Mañana’, una nueva etapa para Morat Esta gira tiene como protagonista a Ya es Mañana, el quinto álbum de estudio de Morat, publicado en mayo de 2025. Un trabajo con el que la banda continúa explorando su particular manera de contar historias a través del pop, las guitarras y esas letras que conectan con experiencias compartidas por varias generaciones. El disco reúne catorce canciones y supone un nuevo capítulo en la evolución musical de Juan Pablo Isaza, Juan Pablo Villamil, Simón Vargas y Martín Vargas. Su trayectoria, que comenzó en Bogotá y conquistó al público con temas como Cómo Te Atreves, Besos en Guerra y No Se Va, les ha llevado a convertirse en uno de los grandes nombres del pop latino actual. El álbum también les ha brindado importantes reconocimientos, entre ellos el Latin Grammy a Mejor Álbum Pop/Rock en 2025. Ahora, con el ‘Ya Es Mañana Tour’, el grupo lleva esas nuevas canciones al directo, combinándolas con los temas que sus seguidores llevan años cantando a pleno pulmón. Foto: Stanza Musical - @CarolMejías ‘Me Mata’, su nuevo lanzamiento antes de volver a España Y como si el regreso no fuera suficiente motivo para celebrar, Morat ha estrenado nueva música justo antes de comenzar esta nueva etapa de conciertos en nuestro país. El pasado 8 de octubre publicaron ‘Me Mata’, un sencillo que llegó después de una iniciativa en redes sociales en la que sus seguidores pudieron elegir entre dos canciones inéditas. La respuesta del público fue decisiva para que este tema se convirtiera en su nuevo lanzamiento. La canción aborda esa química especial entre dos personas y las ganas de acortar la distancia que las separa, una temática que encaja con la sensibilidad romántica que caracteriza buena parte del repertorio del grupo. Además, la banda ha confirmado que la otra canción propuesta a sus seguidores, Suéltame, también formará parte de su próximo álbum, por lo que todavía quedan novedades musicales por descubrir. Volver a encontrarnos con Morat Hay algo especial en volver a ver en directo a un grupo que lleva tanto tiempo acompañándonos. No se trata únicamente de escuchar canciones conocidas, sino de recordar dónde estábamos cuando las descubrimos, con quién las compartimos y todo lo que ha cambiado desde entonces. Morat regresa a España en un momento de crecimiento, con un nuevo disco bajo el brazo, canciones recién estrenadas y una gira que promete grandes momentos sobre el escenario. Y nosotros tenemos muchas ganas de volver a encontrarnos con ellos, dejarnos llevar por sus melodías y cantar juntos esas letras que ya sentimos un poco nuestras. Octubre tiene banda sonora y su nombre es Morat.

Fotos: Nicolas Gerardin Madrid ha sido testigo de uno de los capítulos más especiales de la carrera de Shakira. La artista colombiana puso el broche de oro a su residencia europea con un último concierto cargado de emoción, grandes éxitos y colaboraciones inesperadas, poniendo fin a una serie de 13 actuaciones que han reunido a más de 700.000 espectadores en la capital. Una despedida a la altura de un acontecimiento que ha convertido la música en el centro de todas las miradas durante varias semanas. La noche del lunes 12 de octubre, en Macondo Park, miles de seguidores se congregaron para vivir la última oportunidad de disfrutar en Madrid de Las Mujeres Ya No Lloran World Tour. Un espectáculo que ha ido mucho más allá de la música y que ha transformado cada concierto en una celebración de la trayectoria de una artista capaz de conectar con varias generaciones. Una última noche rodeada de grandes artistas Si algo hizo especial esta última cita fue la presencia de invitados que compartieron escenario con Shakira en diferentes momentos de la velada. Laura Pausini, Dani Martín, Maluma, Beéle y Bizarrap se sumaron a una despedida que tuvo espacio para la nostalgia, las sorpresas y la celebración. Uno de los momentos más emotivos llegó con Laura Pausini, que acompañó a la colombiana para interpretar Antología, una de las canciones más representativas de su repertorio. Una colaboración que puso de manifiesto la admiración entre ambas artistas y regaló al público uno de los instantes más especiales de la noche. Fotos: Nicolas Gerardin La música también tuvo acento español con Dani Martín. El cantante madrileño se unió a Shakira para interpretar Te dejo Madrid, un tema que adquirió un significado especial en una noche marcada precisamente por la despedida de la artista de la capital. Una actuación que conectó con el público y que convirtió la canción en uno de los momentos más simbólicos del concierto. Maluma volvió a demostrar la química que mantiene con la colombiana al compartir escenario con ella en Chantaje y AGUA, mientras que Beéle se sumó a la fiesta con ALGO TÚ. La recta final reservó otro de los grandes momentos para Bizarrap, que apareció para interpretar junto a Shakira la BZRP Music Sessions #53, una colaboración que se ha convertido en uno de los grandes fenómenos musicales de los últimos años. Trece conciertos para hacer historia en Madrid La residencia ha supuesto una apuesta extraordinaria dentro de la gira Las Mujeres Ya No Lloran World Tour. Durante trece noches, Madrid se ha convertido en el epicentro de un proyecto que ha combinado la música en directo con una gran experiencia visual y un espacio creado especialmente para acoger el espectáculo. Más de 700.000 personas han pasado por Macondo Park para disfrutar de una producción que ha repasado diferentes etapas de la carrera de Shakira. Desde sus grandes clásicos hasta sus éxitos más recientes, el repertorio ha permitido recorrer una trayectoria marcada por la evolución musical, la capacidad de reinventarse y una conexión inconfundible con sus seguidores. Canciones como Hips Don't Lie, La tortura, Suerte, Waka Waka y Loba han formado parte de un espectáculo que ha reunido a seguidores de distintas generaciones. Una combinación de nostalgia, baile y nuevos himnos que ha mantenido viva la energía de cada noche. Pero el fenómeno de Shakira en Madrid no se ha limitado al escenario. La residencia ha convertido Macondo Park en un punto de encuentro para miles de fans, con una propuesta que ha unido música, entretenimiento y cultura en torno a una de las figuras internacionales más reconocidas del panorama latino. Fotos: Nicolas Gerardin Una despedida llena de emoción Durante el último concierto, Shakira se mostró emocionada al dirigirse al público y reconoció la importancia que esta experiencia ha tenido para ella. La artista agradeció el cariño recibido a lo largo de estas semanas y expresó lo difícil que resultaba despedirse de Madrid después de una etapa tan especial. La noche terminó con un despliegue visual a la altura de la ocasión, con drones, fuegos artificiales y un último homenaje a la ciudad que la ha acompañado durante esta residencia. Un cierre que puso el punto final a trece conciertos y a una experiencia que difícilmente olvidarán quienes han formado parte de ella. Con más de 700.000 espectadores y una última noche acompañada de grandes nombres de la música, Shakira se despide de Madrid dejando una huella que va más allá de las cifras. Una residencia que ha celebrado su trayectoria, su presente y su capacidad para seguir sorprendiendo, confirmando que, cuando la loba sale al escenario, todavía queda mucha historia por escribir.

El último fin de semana de agosto, Guadalajara volvió a convertirse en punto de encuentro para los amantes de la música en directo con una nueva edición del Festival Gigante. Tres jornadas, varios escenarios y una programación capaz de reunir a artistas consolidados, bandas emergentes y propuestas muy diferentes entre sí, manteniendo esa esencia cercana que hace que cada edición tenga algo especial. Desde el rock y el indie hasta el pop y la electrónica, el festival volvió a demostrar que es una de las citas más atractivas para despedir el verano. Jueves: una bienvenida con mucho carácter La primera jornada arrancó con Comandante Twin, que puso en marcha la programación musical, y continuó con la sensibilidad de Ángela González, una de las voces que aportaron personalidad a la noche. El turno de Ángel Stanich dejó uno de esos momentos que convierten un concierto en algo memorable: el artista bajó del escenario para acercarse al público y terminó siendo levantado en brazos por la multitud, en una imagen que refleja la conexión que puede llegar a generarse entre un músico y sus seguidores. Fotos: Festival Gigante - @JavierBragado La noche siguió con el inconfundible universo de La Cabra Mecánica, una banda que forma parte de la historia del pop-rock nacional y cuyo repertorio invita a cantar de principio a fin, con canciones tan reconocibles como La lista de la compra. Para cerrar la jornada, Calequi y Las Panteras aportaron su mezcla de ritmos, energía y espíritu festivo, dejando el ambiente preparado para todo lo que aún estaba por llegar. Fotos: Festival Gigante - @JavierBragado Viernes: guitarras, energía y nuevos descubrimientos El viernes llegó una de las jornadas más completas del festival, con una sucesión de directos que nos permitió disfrutar tanto de bandas internacionales como de algunas de las propuestas más interesantes de la escena nacional. The Molotovs fueron los encargados de abrir nuestra ruta musical con una descarga de rock de espíritu punk, guitarras afiladas y una actitud directa que conectó con quienes buscaban comenzar la tarde sin demasiados rodeos. El dúo británico demostró que la energía y la contundencia siguen teniendo un lugar destacado en los festivales. Fotos: Stanza Musical - @AndreaRocha Después llegó el turno de Aiko el Grupo, una de esas bandas que convierten el desorden, la ironía y la espontaneidad en parte de su encanto. Su propuesta de pop-punk, con guitarras contundentes y letras que conectan con las inquietudes de toda una generación, mantuvo el ritmo de la jornada. Canciones como A mí ya me iba mal de antes encajan perfectamente con ese universo tan suyo, en el que la actitud y la frescura son tan importantes como las melodías. Fotos: Stanza Musical - @AndreaRocha Nos acercamos al escenario pequeño para ver a Los Domingos, antes de encontrarnos con Doplers, una de las sorpresas que nos llevamos de esta edición. Su actuación nos dejó con ganas de conocer más sobre el grupo, recordándonos precisamente una de las grandes virtudes de los festivales: ofrecer la oportunidad de descubrir artistas a los que quizá no habríamos llegado de otra manera. Fotos: Stanza Musical - @AndreaRocha Uno de los conciertos que más ganas teníamos de disfrutar era el de Repion. Las hermanas Marina y Teresa Iñesta han ido construyendo una identidad propia dentro del panorama alternativo, combinando guitarras potentes, sensibilidad y letras que se mueven entre la vulnerabilidad y la rabia. En directo, esa mezcla adquiere una fuerza especial: su música puede ser delicada y, al mismo tiempo, explotar con toda la intensidad del rock. Una propuesta que confirma el gran momento que atraviesan y las convierte en un nombre imprescindible para seguir de cerca. Fotos: Stanza Musical - @AndreaRocha La noche avanzó hasta uno de los conciertos más esperados, el de La M.O.D.A.. La Maravillosa Orquesta del Alcohol volvió a poner sobre la mesa esa combinación de folk, rock e instrumentos de raíz que ha convertido a la banda burgalesa en una de las formaciones más queridas del panorama nacional. Su directo tiene algo difícil de imitar: canciones que se cantan colectivamente, letras que hablan de la vida cotidiana y una intensidad que crece a medida que el público se incorpora al coro. Temas como Héroes del sábado y 1932 representan muy bien esa capacidad para transformar una actuación en una experiencia compartida. Fotos: Stanza Musical - @AndreaRocha También hubo tiempo para disfrutar de Ultraligera, una de las bandas que más están dando que hablar dentro del rock alternativo español. Su sonido oscuro, sus guitarras y esa tensión que atraviesa sus canciones encontraron en el festival un escenario ideal. Con temas como Matanza en el hotel, el grupo sigue consolidando una identidad reconocible y una relación cada vez más estrecha con el público. Fotos: Festival Gigante - @JavierBragado La noche continuó con la fiesta y el desparpajo de Ortiga, que puso el acento más bailable a la recta final del viernes. Su mezcla de ritmos, humor y actitud festiva fue el contrapunto perfecto a una jornada marcada por las guitarras y las emociones. Una combinación de estilos que resume muy bien la filosofía del Festival Gigante: siempre hay un concierto, un sonido o una banda esperando para sorprenderte. Sábado: protagonismo femenino y un cierre por todo lo alto La última jornada tuvo un marcado protagonismo femenino, con artistas que demostraron la diversidad y la fuerza de la música actual. Queralt Lahoz destacó por su personalidad artística y su capacidad para moverse entre el soul, el flamenco, el rap y los ritmos urbanos. Una propuesta con raíces, pero también con una mirada contemporánea, que confirma que su música no entiende de etiquetas. Uno de los grandes nombres de la noche fue Belén Aguilera, que ofreció un espectáculo impresionante, combinando intensidad vocal, emoción y una puesta en escena capaz de atrapar al público. Su universo pop, entre lo íntimo y lo grandioso, encontró en canciones como Antagonista y La tirita algunos de sus puntos de conexión más reconocibles con sus seguidores. Fotos: Festival Gigante - @JavierBragado Después, Ginebras llevaron al recinto su pop-rock fresco, desenfadado y cargado de historias cotidianas. Con canciones como La típica canción y Alex Turner, la banda volvió a demostrar por qué se ha ganado un lugar destacado dentro de la escena independiente: sus conciertos invitan a cantar, bailar y compartir esas pequeñas historias en las que tantas personas se reconocen. La noche dio un giro con Zahara Rave, la vertiente más electrónica y expansiva de Zahara. Su propuesta transformó el escenario en una pista de baile, diluyendo las fronteras entre artista y público. Uno de los momentos más especiales llegó cuando Zahara bajó del escenario y se integró entre la multitud, convirtiendo el concierto en una experiencia mucho más cercana y envolvente. Una imagen que resume a la perfección el espíritu de un festival en el que la música también se vive desde la complicidad y la libertad. Fotos: Festival Gigante - @JavierBragado Y para despedir la edición, Chimo Bayo puso el broche final con una explosión de electrónica, nostalgia y fiesta. Un cierre pensado para no dejar a nadie quieto y recordar que, después de tres días de conciertos, todavía quedaban fuerzas para bailar una última vez. Un festival al que queremos volver El Festival Gigante volvió a ofrecernos mucho más que una sucesión de conciertos. Fue una oportunidad para reencontrarnos con artistas que ya forman parte de nuestra banda sonora, descubrir nuevos nombres y guardar imágenes de esas que explican por qué seguimos disfrutando tanto de la música en directo. La variedad de estilos, la cercanía de los artistas y la posibilidad de pasar de un concierto de guitarras a una propuesta electrónica en cuestión de minutos forman parte de su atractivo. También lo hacen esos momentos espontáneos en los que el público deja de ser un mero espectador para convertirse en parte del espectáculo. Nos despedimos de Guadalajara con nuevos descubrimientos, canciones que siguen resonando y muchas ganas de repetir la experiencia. Porque si algo ha vuelto a demostrar el Festival Gigante es que el final de agosto todavía puede reservarnos algunos de los mejores momentos musicales del verano. Nos quedamos con la música, las emociones compartidas y la certeza de que queremos volver. Fotos: Stanza Musical - @AndreaRocha

El próximo 18 de octubre, Donostia / San Sebastián vivirá una jornada muy especial con la llegada de AB100, un encuentro que reunirá durante todo el fin de semana a músicos, artistas y creadores alrededor de la música, la colaboración y la amistad. Entre las citas más esperadas del domingo estarán el especial Song Circle, con Anaïs Mitchell, Ben Howard, Kevin Morby y Ye Vagabonds, y el esperado regreso de The National al escenario del Kursaal. AB100 nace de la mano de Aaron y Bryce Dessner, miembros de The National, con motivo de su 50 cumpleaños. Durante los días 17 y 18 de octubre, Donostia y Biarritz se convertirán en el punto de encuentro de una comunidad artística construida a lo largo de décadas de música, amistades y proyectos compartidos. Más que un festival al uso, AB100 propone un fin de semana de encuentros especiales, colaboraciones y formatos creados específicamente para la ocasión. Conciertos compartidos, song circles, actuaciones de gran formato y diferentes propuestas artísticas irán dando forma a una programación en la que el intercambio entre músicos será uno de los grandes protagonistas. Una mañana alrededor de las canciones La jornada del domingo comenzará en el Teatro Principal de Donostia, donde a las 13:00 horas tendrá lugar Song Circle, una de las propuestas más singulares de AB100. Sobre el escenario se encontrarán Anaïs Mitchell, Ben Howard, Kevin Morby y Ye Vagabonds en un formato pensado para compartir canciones, ideas y experiencias. No se trata de cuatro conciertos independientes, sino de una actuación conjunta en la que la colaboración y el diálogo entre los artistas serán el verdadero hilo conductor. La propuesta permitirá descubrir qué ocurre cuando músicos con trayectorias y universos propios se encuentran alrededor de una misma canción, dejando espacio para las conexiones espontáneas y para esos momentos únicos que difícilmente pueden repetirse de una actuación a otra. Ben Howard, uno de los nombres más reconocibles de la música británica contemporánea, compartirá así escenario con Anaïs Mitchell, Kevin Morby y Ye Vagabonds en una cita especialmente pensada para los amantes de la música en su estado más cercano y colaborativo. The National regresan a los escenarios Y si Song Circle pondrá el foco en la intimidad y en el encuentro entre artistas, unas horas después será el turno de uno de los grandes acontecimientos del fin de semana. A las 19:30 horas, el Auditorio Kursaal acogerá The National & Friends, el concierto que servirá como cierre de AB100 y que supondrá el regreso de The National a los escenarios. La cita será especialmente esperada porque la banda ofrecerá en Donostia su único concierto de 2026, además de ser su primera actuación desde 2024. La formación liderada por Matt Berninger volverá a encontrarse con su público en un concierto especial en el que estará acompañada por colaboradores habituales e invitados especiales. Con una trayectoria que ha dejado algunos de los discos más destacados del indie rock estadounidense de las últimas décadas, The National han construido una identidad propia alrededor de las composiciones de Aaron y Bryce Dessner y de la inconfundible voz de Matt Berninger. Su regreso a los escenarios será, por tanto, uno de los grandes momentos musicales de este otoño. Y será también la mejor representación del espíritu que da sentido a AB100: música, amistad, colaboración e intercambio artístico. Un fin de semana para celebrar la música Aunque el domingo tendrá en Song Circle y The National & Friends dos de sus grandes protagonistas, AB100 extenderá su programación durante todo el fin de semana y conectará diferentes espacios de Donostia y Biarritz. El sábado 17, por ejemplo, Biarritz acogerá Mixtape, una propuesta presentada por Aaron y Bryce Dessner en la que participarán, entre otros, Ben Howard, Eñaut Elorrieta, Jon Hopkins, Kevin Morby, Mina Tindle y Richard Reed Parry. Una vez más, los artistas compartirán escenario en diferentes formaciones, apostando por la espontaneidad frente a los conciertos individuales. Ya en Donostia, el domingo se sucederán diferentes propuestas vinculadas a AB100, entre ellas Song Circle, Sirens y el gran cierre protagonizado por The National. Dos días en los que la música será entendida no solo como espectáculo, sino también como un espacio para encontrarse, compartir y crear nuevas conexiones. AB100 llegará así a Donostia y Biarritz con una propuesta difícil de encasillar y con un cartel construido alrededor de algunos de los nombres más interesantes de la escena musical contemporánea. Y el domingo 18 de octubre concentrará dos de sus citas más esperadas: un encuentro íntimo alrededor de las canciones y el regreso de The National a los escenarios. AB100 Donostia / San Sebastián y Biarritz Song Circle Teatro Principal, Donostia 18 de octubre 13:00 h Anaïs Mitchell · Ben Howard · Kevin Morby · Ye Vagabonds The National & Friends Auditorio Kursaal, Donostia 18 de octubre 19:30 h The National & Friends Las entradas para Song Circle aparecen actualmente agotadas y con lista de espera, mientras que la información oficial del Kursaal mantiene la cita de The National como uno de los grandes acontecimientos de AB100.

Madrid volverá a rendirse ante Dani Fernández los días 9, 16, 17 y 23 de octubre, cuando el artista se suba al escenario del Movistar Arena para protagonizar cuatro conciertos dentro de su esperada ‘La Insurrección Tour’. Una serie de citas que llega después de un año especialmente importante para el cantante y que confirma, una vez más, la dimensión que ha alcanzado su directo. Las entradas para estas cuatro noches han generado una enorme expectación. De hecho, los conciertos del 16 y 17 de octubre ya cuelgan el cartel de ‘sold out’, mientras que todavía es posible encontrar entradas para las citas del 9 y 23 de octubre, según la información oficial del recinto. Una gira a la altura de un momento clave ‘La Insurrección Tour’ supone un nuevo paso adelante en la trayectoria de Dani Fernández. El artista llega a esta gira después del éxito de ‘La Jauría’, su último álbum de estudio, un trabajo que ha reforzado su posición dentro del pop-rock nacional y que continúa sumando millones de reproducciones. Turismo Madrid sitúa el disco por encima de los 238 millones de reproducciones y destaca también su presencia entre los trabajos más radiados del país. Pero si hay un terreno en el que Dani Fernández ha demostrado especialmente su crecimiento es el directo. Después de años de giras, festivales y conciertos con entradas agotadas, el artista afronta ahora una de sus etapas más ambiciosas, recorriendo grandes recintos de diferentes puntos de España. La gira pasó por escenarios como el Palau Sant Jordi de Barcelona, el Roig Arena de Valencia, el Navarra Arena de Pamplona o el Coliseum de A Coruña, además de numerosas citas por todo el país. La respuesta del público ya quedó patente incluso antes de que comenzara el tour: durante la salida a la venta de las primeras fechas, varias citas se agotaron en apenas unas horas, entre ellas las dos primeras noches anunciadas en el Movistar Arena de Madrid. Foto: Stanza Musical - @CarolMejías Cuatro noches que hablan de la evolución de Dani Fernández Madrid tendrá, por tanto, un papel protagonista dentro de esta nueva etapa. Cuatro conciertos en un mismo recinto no son una simple suma de fechas, sino una muestra de la capacidad de convocatoria que ha conseguido construir Dani Fernández alrededor de sus canciones. Además, no será su primera experiencia en el Movistar Arena. El recinto recuerda que el artista regresa a Madrid después de haber conseguido previamente un doble sold out, para afrontar ahora cuatro nuevas fechas con un espectáculo renovado y un repertorio que combina las canciones de ‘La Jauría’ con algunos de los temas más importantes de su trayectoria. La magnitud de este nuevo reto adquiere todavía más significado si tenemos en cuenta que ‘La Insurrección Tour’ llega como una etapa especial en la carrera del artista. Dani Fernández ha explicado que, después de esta gira, se tomará un tiempo alejado de los escenarios para centrarse en su vida personal y preparar sus próximos proyectos. Por eso, estas cuatro noches madrileñas tendrán también ese carácter de celebración y de cierre de una etapa. Cuatro oportunidades para encontrarse con un público que ha crecido con él y que ha convertido sus canciones en parte de su propia historia. Foto: Stanza Musical - @CarolMejías Madrid, cuatro noches y una misma insurrección Los conciertos comenzarán a las 20:30 horas, con apertura de puertas prevista a las 19:00 horas. Las fechas serán 9, 16, 17 y 23 de octubre de 2026. El resultado será uno de los grandes encuentros del pop-rock nacional con el público madrileño: cuatro noches en las que Dani Fernández volverá a demostrar que aquel artista que comenzó su camino en solitario después de Auryn ha construido, con canciones, trabajo y muchos kilómetros de carretera, una identidad propia y una conexión cada vez mayor con quienes están al otro lado del escenario. Y Madrid tendrá cuatro oportunidades para vivirla. Entradas: actualmente, las localidades de los conciertos del 16 y 17 de octubre están agotadas, mientras que el Movistar Arena mantiene entradas disponibles para el 9 y el 23 de octubre, aunque la disponibilidad puede cambiar.